Скоротечный Лион и дорога в родные пенаты( в процессе написания)

 Окончание темы о замороченном круизе 

 Пора продолжить отчет. 

Остановилась я на том, что прилетела в Лион из Флоренции 14 ноября. Уточняю дату, так как придется напомнить о моих переживаниях, связанных с отменой рейса в этот день в Стамбул, для чего мне пришлось на день задержаться в Лионе и согласиться на вылет 15 ноября с риском нарушить правила шенгенских виз.

Напомню, что визу мне дали на 8 дней точно по датам перелетов, потом обратный вылет Аджет поменял, и я оказалась в ситуации так называемого оверстея – нарушения паспортного режима не по своей вине. Очень переживала по этому поводу во время подготовки к поездке. Даже думала, что прилетев в Лион, надо обратиться к службе паспортного контроля и разъяснить ситуацию.

Но по прилету меня встретил мальчик из службы сопровождения и повез через рукав по зданию аэропорта,

 по пути выясняя, куда меня доставить. Говорил он только по-французски, и я поняла, что точно не смогу объяснить ему свою ситуацию с визой. Поэтому озвучила ему план - отвезти меня на остановку так называемого Rhônexpress.

Цитирую из файла моей подготовки: между аэропортом и центральным вокзалом Пар Дьё курсирует скоростной трамвай Rhônexpress. Поездка займет всего 30 минут, по пути предусмотрено несколько остановок на пересадочных узлах. Трамваи отправляются с 5:00 до полуночи: каждые 15 минут днем и каждые полчаса вечером. Цена одной поездки на трамвае экспресс из аэропорта стоит 16,3 евро.

Мальчик с некоторым неудовольствием воспринял то место, куда меня надо было отвезти, так как идти пришлось довольно далеко по самому аэропорту и по какой-то открытой зоне. А я, вспомнив, как в Вене девушка-сопровождающая купила мне сразу и билет на проезд на поезде до города, попросила его и в этом мне помочь. Он сходил к автоматам, но почему-то не справился. Может быть по той причине, что мне пришлось дать ему наличные, так как иностранной картой я не располагала.

Но он доставил меня на лифте на платформу скоростного трамвая и вскоре я уже была в вагоне. Но билет… Читала, что можно купить его у кондуктора, но на той остановке, где я вошла в вагон, его не было. Правда скоро он появился и без проблем оформил мне билеты туда и обратно, уточнив, что он будет действовать и на следующий день. Но 32 евро на проезд это все же очень «по-французски».

Теперь о моем маршруте. Когда я выбирала, где именно мне остановиться в Лионе менее, чем на сутки, то сначала подумала об аэропортовских отелях, но ближайший был в 6 км, и я поняла, что приехав в него уже не выберусь в город, поэтому стала искать отель в городе и конечно в центре. Причем цены на отели начинались в этот несезон от 10 тысяч за ночь что на окраине, что в центре.

Выбрала Hotel de Paris по адресу: 16 rue de la Platière, 01, так как рядом находились знаковые объекты города и станция метро совсем близко. И главная точка притяжения для меня - Музей изящных искусств. Именно из-за него и выбрала именно этот отель, который рекомендовать не могу. Позже расскажу почему.

Вновь из темы подготовки: Доехать сначала на трамвае до остановки Vaulx-en-Velin La Soie , пройти 150 метров до метро линии А и от на станции Perrache проехать 9 остановок до остановки Отель де Виль. Выйдя наверх напротив здания Оперы, пойти в сторону Ратуши по ул. Жозеф Серлен, после музея повернуть налево и пройти 400 метров по улице Поль Шенавер мимо площади с бюстом, и отель будет слева на ул.Платьер.

Я так тщательно проходила этот маршрут с желтым человечком гугла, что потом прошла этот путь без проблем.

Итак, подробности. Из трамвая вышла на остановке Vaulx-en-Velin La Soie, немного потупила с поиском входа в метро и покупкой билета за 1,8 евро на проезд в нем, но мне помогли молодые люди. Четко отсчитала 9 остановок и вышла точно там где нужно – напротив здания Оперы, которое почему-то не сфотографировала.

Зато дальше шла совсем не спеша и снимала знаковые здания Лиона.

Итак, я поднялась на лифте от платформы станции метро Отель де Виль на поверхность и буквально через 50 метров вышла на площадь - Place des Terreaux




Из отзывов к карте гугла, с которыми я полностью согласна: Эта площадь одна из самых знаковых в Лионе. Здесь сочетаются история и жизнь современного города, где с одной стороны возвышается внушительная ратуша XVII века, рядом Дворец изящных искусств, а в центре внимание притягивает фонтан Бартольди.

Атмосфера площади всегда оживленная: туристы, уличные артисты, кафе и рестораны вокруг. Это отличное место, чтобы почувствовать дух Лиона

Нашелся в интернете французский сайт с историей этой площади, решила поставить сюда информацию и фото.
Площадь Терро — это площадь, расположенная в центре Лиона, на полуострове между реками Рона и Сона, у подножия холма Ла-Круа-Русс в 1-м округе. Она граничит как с мэрией, так и с Музеем изящных искусств Лиона. Площадь входит в зону, классифицированную ЮНЕСКО объект Всемирного наследия

Немного о ее истории:

В 1206 году с целью защитить деревню Сен-Низье от церковной власти, лионская буржуазия решила возвести стену у подножия холма Сен-Себастьян (склон Круа-Русс) и башню на Соне, чтобы контролировать мост Биржи, который был единственным проходом между Сен-Низье и Сен-Жаном (приход на западном берегу Соны, в Старом Лионе ).



Архиепископ Рено де Форе и его преемники продолжили работы, начатые лионской буржуазией, чтобы защитить город от возможного нападения . Между Соной и Роной была построена новая стена толщиной два метра и высотой десять метров. Эта крепостная стена длиной около 500 метров была пронизана двумя воротами, защищенными разводными мостами (Врата Пешери на Соне и Врата Лантерн), и охранялась десятью башнями. Зубчатая галерея и пять каменных будок позволяли солдатам наблюдать за происходящим с вершины. Главная стена была отделена 22-метровым рвом от другой двухметровой стены, расположенной к северу.

В XIV веке к ней было пристроено третье сооружение на склоне, а затем, в начале XV века, на вершине холма Сен-Себастьян было возведено новое сооружение, представлявшее собой земляной холм, защищенный деревянными башнями. В случае осады ров, который назывался Terralia nova (Fossés de Terreaux) или Fossés de la Lanterne, можно было заполнить водой. Вода в него по мере необходимости поступала через ряд бассейнов, называемых каналом Нейрона, вырытых в сторону к Роне.

В обычных условиях лучники использовали рвы в качестве тренировочной площадки, сначала на стороне Соны, а с 1533 года — на стороне Роны.

ХХХ
В XVI веке стены обрушились. В 1538 году начался снос ограждения. Позже ров со стороны Соны был засыпан для строительства Бушери-де-ла-Лантерн. В 1555 году монахиням монастыря Сен-Пьер было разрешено использовать камни стены для ремонта монастыря. В 1578 году земли нынешней площади Терро были засыпаны, а в 1617 году бывший ров исчез вместе с застройкой садов городской ратуши, на месте которой сегодня стоит Опера.

В период с 1646 по 1651 год Симон Мопен построил на восточной стороне площади особняк Лиона (Hôtel de ville de Lyon), перестроенный Жюлем Ардуэном-Мансаром после пожара 1674 года. В XVII веке монахини Сен-Пьер перестроили свой монастырь, который в 1803 году стал Музеем изящных искусств Лиона .


На этой площади был обезглавлен Анри Койфье де Рузэ, маркиз де Синк-Марс , заговорщик против Ришелье. Во время Французской революции гильотина была установлена ​​и работала на полную мощность при правлении Мари Жозеф Шалье. После осады Лиона были также обезглавлены 79 человек.

Во второй половине XIX века доступ к этому месту был расширен в соответствии с планом реконструкции полуострова, возглавляемым Клодом-Мариусом Вайссом . В 1855 году был открыт проход Терро между площадью и улицей Лантерн.

В центре площади 22 сентября 1891 года городские власти торжественно открыли аллегорический фонтан, изображающий Сону, созданный Фредериком Огюстом Бартольди . Скульптурная группа под названием «Триумфальный шар Гаронны» изображает Гаронну и четыре её притока, впадающих в океан, каждый из которых символизируется женщиной, ведущей квадригу . После Всемирной выставки 1889 года монумент стал слишком дорогим для города Бордо и был приобретен в 1890 году мэром Лиона Антуаном Гайетоном.

Площадь была реконструирована в 1994 году архитектором и градостроителем Кристианом Древе и художником Даниэлем Бюреном , в частности, была создана ортогональная композиция из 69 струй воды, окруженных 14 колоннами. Для строительства подземной парковки на площади фонтан первоначально располагался перед зданием городской ратуши, а затем был перенесен на свое нынешнее место вдоль оси дворца Сен-Пьер.

29 сентября 1995 года площадь была признана историческим памятником .

Холодной зимой 2012 года фонтан, расположенный на площади Терро, замерз.

Прохожу рядом с целью своего предстоящего визита - Музеем изоразительных искусств, как он назван на карте.

Еще при подготовке к поездке была мысль - пойти в него сразу, даже с чемоданом, пока я не так сильно устала, тем более, что у меня была вместо него относительно компактная сумка и ее наверняка можно было бы оставить там в камере хранения.

Но посидев на столбиках, которые так удобно для меня расположены на этой площади и видны на фото, поразмышляв напротив входа в музей, решила все же сначала сходить в отель, заселиться, переодеться после самолета и только потом идти в музей.

Как показали дальнейшие события это вроде бы разумное решение было все же не верным, и вернусь я к музею только через несколько часов с испорченным настроением.

Но пока я еще любуюсь красивой площадью и фонтаном





О Ратуше надо рассказать отдельно.


Значительная часть Лиона была перестроена в XVII веке, а полуостров стал центром города. В рамках генерального плана развития района городской совет решил заказать строительство новой ратуши для Лиона. Место для этого здания было выбрано между площадью Терро и площадью Комеди.

Строительство нового здания было намеренно приурочено к дню рождения короля Людовика XIV , 5 сентября 1646 года. [ 3 ] [ 4 ] Оно было спроектировано Симоном Мопеном в стиле неоренессанса , построено из тесаного камня, и совет провел там свое первое заседание 14 ноября 1652 года. [ 5 ] Проект предусматривал симметричный главный фасад из девяти пролетов, обращенных на запад, на площадь Терро, с двумя крайними пролетами по обе стороны, выступающими вперед в виде павильонов .

В центральном пролете на втором этаже находился полурельеф короля Людовика XIV верхом на лошади, а на уровне крыши располагался балюстрадный парапет и несколько искусно вырезанных скульптур, а также центральная часовая башня с куполом .

После пожара 13 сентября 1674 года [ 9 ] здание, включая его фасад, было восстановлено и изменено по проекту Жюля Ардуэна-Мансара и его ученика Роберта де Котта .

В марте 1793 года, во время Французской революции , здание находилось под контролем группы контрреволюционеров во главе с Жозефом Шалье , которые восстали против Национального конвента . Этому положила конец осада Лиона в период с августа по октябрь 1793 года. Полурельеф, изображающий короля Людовика XIV верхом на коне в центре фасада, был демонтирован революционерами в это время. Во время Реставрации его заменили полурельефом , изображающим короля Генриха IV в той же позе.

Вдоволь налюбовавшись чудесной архитектурой Ратуши я все же отправилась по коротенькой части улицы Поль Шанавер к своему отелю,



где на пересечении с улицей Платр вот такие здания и четвертым в их строю находится отель, который я довольно удачно по его дислокации выбрала. Но если бы он отличался одним этим достоинством, цены бы ему не было, но меня ожидал там крайне неприятный сюрприз.

Итак, около 14 часов я подошла к отелю, который снаружи выглядит вполне презентабельно.


Внутри правда не очень впечатляет, но на стойке ресепшен меня довольно приветливо встретила женщина средних лет, посмотрела мой паспорт и ваучер на отель, что-то ввела в компьютер и по-английски попросила меня немного подождать, так как заселение у них с 14 часов. И даже предложила выпить чай или кофе.




В холле один мужчина тоже ожидал заселение, присела там и я. Оставалось минут 15, но женщина начала вдруг собираться и ей на смену пришел хмурый мужчина за 50 лет, который говорил с ней резким требовательным тоном. Она ушла, и я поняла, что произошла пересменка портье.

Подошла к нему, сказав, что меня видимо уже оформили. Он хмуро посмотрел на меня и потребовал паспорт. Минут 10 он что-то делал на компьютере и снова попросил подождать. Говорил он только по-французски, ни слова по-английски он не понимал.

Зато быстро оформил тоже ожидавшего заселения мужчину. А время шло. И тут он выдал фразу, которую я сначала на поняла, потом попросила перевести ее по телефону через транслейт. Он показал мне ее на экране: Заплатите 100 евро. Ровно столько стоил мой номер и я поначалу спокойно показала ему ваучер, где было отмечено, что мой номер оплачен заранее.

Бронировала и оплачивала я его на Яндексе, кстати, не за рубль, а с меня сразу сняли всю сумму в рублях. Но … ваучер ведь был на русском языке! А этот портье понимал только по-французски. Он еще раз показал мне перевод на своем телефоне, где значилось - оплатите 100 евро. И я снова стала ему доказывать, еще и с помощью пришедшего мне на помощь мужчины, который говорил и по-английски и по-французски, что номер у меня оплачен полностью.

Горе-портье мотал головой и упорно твердил про 100 евро за номер. Потом сказал – давайте карту. Пришлось ему объяснять, что я из России, моя платежная российская карта недействительна в Европе, но он упорно твердил - давайте карту.

Что делать – я достала свою карту Мир, он ее взял, что еще минут 10 что-то делал с ней, наконец вернул мне ее и выдал ключи. Надо было мне стремглав бежать к лифту и отправляться в номер, а я подошла взять свои вещи в холле и тут он подскочил ко мне и стал требовать ключи вернуть ему.

Обескураженная, я отдала их, думая, что он хочет просто поменять номер. Но он сказал, что не заселит меня пока я не заплачу 100 евро! Все началось сначала. Я уже стала подумывать не обратиться ли в полицию – а куда еще в такой ситуации, как он написал на телефоне – звоните тем, у кого оплачивали номер.

И тут подошли еще постояльцы, он отвлекся на них, а время шло. Я уже не просто возмущалась, а стала думать чего он от меня хочет. Вспомнила, как однажды в Париже, у нас заморозили сумму за номер на карте и еще наличные взяли за него, и мы оказались в Венеции перед фактом, что денег на карте оказалось меньше, чем мы рассчитывали. Но тут дело было не в этом.

Наконец, я подошла и написала на своем телефоне – по какой причине я должна повторно оплачивать свой номер? И тут он стал раздраженным тоном что-то долго говорить по-французски , а один из постояльцев, наконец, перевел его пламенную речь, сказав, что это их страховка от краж и деньги они либо блокируют на карте, либо берут наличными 100 евро.

Так это залог: спросила я? Тот угрюмо стал снова что-то писать на телефоне, но слово залог в переводе так и не появилось. Устав от этой уже длящейся еще больше часа ситуации, я протянула 100 евро, он с хмурым видом еще минут 10 что-то писал, протягивал мне на подпись и наконец выдал ключ от номера.

Совершенно вымотанная всем этим я поднялась на лифте на 3 этаж и наконец вошла в свой очень скромный номер. Никаких хотя бы относительно дорогих вещей, о которых надо было так заботиться с залогом, я в нем не увидела, а на часах уже было 15.15. Это я сейчас уточнила по своим смс, которые я, разгневанная всем вышеописанным, отправила своим родным и подругам.




Но у меня же в планах был музей и работал он до 18 часов, а кассы вообще до 17. И я, переодевшись и слегка перекусив, так как завтракала в этот день в 6 утра во Флоренции, вышла из отеля.

Побаливала спина, ощутимо болели колени, но благо, что до музея было всего 500 метров. Повернув на площадь, еще раз сфотографировала Ратушу, и такой вот величественный вход в музей.





Вошла я туда в 16.45. По моему удостоверению очень приятный мужчина- кассир, заговорил со мной сначала на французском, потом перешел на английский и выдал мне бесплатный билет. Вещи я оставила в автоматической камере хранения, которые там кстати, за стеклянными дверцами – то есть видно, что находится внутри.

Узнав, что есть лифт, вдохнула с облечением, но на все про все у меня оставался всего 1 час.

Подитоживая ситуацию в отеле: если бы не хамский раздраженный тон портье, его явное нежелание в доброжелательной манере объяснить мне про залог, такой ситуации могло бы и не произойти. Понятно, что сыграл роль человеческий фактор, но мне от этого не легче, особенно в тот момент было. Кроме того, за все мои поездки в Европу - а только в Париж их было 7, у меня нигде и ни разу не требовали залог.

Кроме того, в этот раз и в Италии, и во Франции особенно остро проявилось то, что в каждой из них говорили только на своем языке и как крайнее исключение переходили на простенький английский.

Но выучить все языки для поездки в несколько стран невозможно, хотя раньше я старалась минимум слов все же освоить, но здесь его оказалось маловато.

напомню, все же добралась всего за час до закрытия в Музей изящных искусств Лиона, который имеет свою богатую историю.




Музей изящных искусств Лиона расположен в самом сердце лионского района Прескиль, в великолепном окружении аббатства XVII века и его монастырского двора, ныне превращенного в сад скульптур. Энциклопедические коллекции музея, размещенные в пяти отделах и 70 залах общей площадью 7000 квадратных метров, представляют панораму основных цивилизаций и художественных школ от античности до наших дней.

Как пишут на сайте музея: Его экспонаты: 8000 антиквариат,3000 предметы искусства, 50 000 монеты и медали,3000 картины,15 000 работы на бумаге и 1000 скульптуры. Они сохраняются, изучаются и, в значительной степени, выставляются на всеобщее обозрение.

Музей предлагает исключительное путешествие по 5000-летней истории искусства и истории с шедеврами Веронезе, Рубенса, Рембрандта, Пуссена, Ренуара, Моне, Гогена, Шагала, Матисса и Пикассо. Благодаря богатству своих коллекций и влиянию выставок, Лионский музей изящных искусств сегодня входит в число самых известных французских и европейских музеев.

И вот на такой музей у меня оставался все 1 час времени! По этой причине в своем отзыве буду его подробно изучать, в том числе богатую историю этого места.

Когда-то на этом месте было Королевское аббатство, о котором на сайте музея
https://www.mba-lyon.fr/fr/historique/labbaye-royale
рассказано так:
С момента своего основания около VI века до полной реконструкции в XVII веке аббатство претерпело многочисленные преобразования. Ранее, внутри ограды, рядом с хозяйственными постройками и домами богатых монахинь стояли церкви Святого Сатурнина и Святого Петра. Благодаря своим правам и богатству монастырь всегда был самым важным в городе.


Королевское аббатство Дам Сен-Пьер

В 1659 году, при Людовике XIV, аббатиса Анна де Шольн обеспечила необходимые средства для строительства королевского аббатства. Авиньонские архитекторы Ройерс де ла Вальфеньер спроектировали внушительное здание — четыре крыла, расположенные вокруг внутреннего двора, — архитектура которого была вдохновлена ​​итальянскими образцами. Строительство было завершено в 1685 году под руководством сестры Анны, Антуанетты де Шольн.

Около тридцати монахинь (до 60 бенедиктинок в 1730 году и 32 на момент их изгнания в 1792 году) жили под властью аббатисы, которая, как правило, принадлежала к высшей знати. Ее личная молельня (ныне Зал греческих ваз) с прекрасными колоннами из розового мрамора сохранилась из ее апартаментов. В XVIII веке аббатство было одним из самых богатых во Франции, в частности, благодаря доходу от сдачи в аренду магазинов на первом этаже.


Трапезная и парадная лестница: барокко в Лионе

С 1675 по 1684 год Т. Бланше создал трапезную и парадную лестницу, великолепный образец стиля барокко в Лионе. Н. Бидо (1622–1692) и С. Гийом (активный художник с 1680 по 1708 год) были наняты для создания лепных рельефов. Сюжеты сочетают аллегории монашеских добродетелей и святых покровителей. Картины «Умножение хлебов» и «Тайная вечеря» — работа П.-Л. Крете (около 1645 года — известен до 1690 года).

Церковь Святого Петра

Основанная в VII веке, церковь была перестроена в XII веке в романском стиле. С этого периода сохранились окна внутреннего коридора и великолепного портика. Боковые часовни были добавлены в XIV веке. Нынешнее состояние церкви было спроектировано в XVIII веке архитектором А. Дежерандо (работавшим в Лионе с 1731 по 1773 год), который расширил хор, построил колокольню и создал декоративные арки и пилястры. В 1907 году церковь была деконсекрирована и передана музею.



И это только предыстория данного места.

Создание музея

Во время революции аббатство сохранилось благодаря близости к городской ратуше, что предотвратило его продажу или разрушение. В 1792 году городской совет выделил здание под хранилище картин, медалей, бронзовых изделий и других произведений искусства.

14 фруктидора IX года (1801) указ Шапталя, учреждающий коллекции живописи в пятнадцати французских городах, стал учредительным актом Лионского музея, Что также отвечало местным чаяниям, таким как возрождение престижного римского прошлого города и предоставление образцов для шелковой промышленности, которая тогда переживала кризис.

С 1803 года Лувр передал сюда 110 картин (включая работы Рубенса, Поклонение волхвов Герчино, Обрезание Ф. де Шампань, Обнаружение мощей святого Жерве и святого Протея).

На протяжении всего XIX века в здании размещались различные учреждения. Музеи живописи, эпиграфики, археологии и естественной истории сосуществовали с фондовой биржей, Торговой палатой, Школой изящных искусств, Городской библиотекой (отдел искусств и наук) и научными обществами .



Ранние годы музея 1803-1830

Начиная с 1803 года, публика могла осматривать первые картины, присланные государством, по средам с 10:00 до 13:00. Новые поступления (Г. Рени, Вознесение Пресвятой Богородицы, Веронезе, Вирсавия в купальне) и покупки (Ф. Зурбаран, Святой Франциск, А. Бержон, Фрукты и цветы в плетеной корзине) представляют собой настоящий музей живописи, открытый графом Артуа 20 сентября 1814 года. Кабинет древностей объединяет старые коллекции и приобретения (Коре (Греческий). Под галереями монастырского двора римские надписи и фрагменты скульптур образуют музей огранки камней.


Дворец искусств 1830–1875 гг.

Начиная с 1834 года архитектор Р. Дардель (1796-1871) придал музею новое измерение. В реконструированных помещениях он создал роскошный декор, сохранившийся до наших дней только в Зале медалей (ранее — зал современного мрамора).

В середине века произошло появление Лионской школы живописи и новых государственных фондов (Э. Делакруа, Последние слова императора Марка Аврелия, Дж. Прадье, Одалиска Или Данте и Вергилий (из Лионского университета им. Г. Фландрена...) значительно обогащают коллекции.


Золотой век 1875-1900 гг.

Архитектор А. Хирш (1828-1913) предпринял масштабные работы по реконструкции здания, сада и монастырского двора.

Наиболее впечатляющей стала перестройка южного крыла для размещения больших подготовительных чертежей к оформлению Пантеона в Париже, выполненных П. Шенаваром.

Оформление монументальной лестницы было поручено в 1881 году П. Пюви де Шаванну из Лиона.


В восточном крыле Музей Ж. Бернара с 1876 по 1891 год выставлял около 300 картин, подаренных городу бывшим мэром Ла-Гийотьера.

Этот период характеризовался амбициозной политикой приобретений. Кураторы покупали произведения на крупных аукционах и у антикваров в Париже, Риме и Флоренции, в основном антиквариат. Зеркало в полный рост (греческое искусство), произведения Средневековья и эпохи Возрождения (скульптурная группа «Благовещение»), исламское искусство и живопись XIX века.

Межвоенный период

Коллекция расширилась и включила в себя искусство Дальнего Востока и современное декоративно-прикладное искусство. В этот период несколько учреждений и коллекций покинули дворец Сен-Пьер: Музей естественной истории в 1914 году и Школа изящных искусств в 1935 году; в 1921 году произведения, связанные с историей Лиона, были переданы в новый музей Гадань. Деконсекрированная церковь была отдана под скульптуры XIX и XX веков.



Последняя реконструкция в 1990-1998 годах

В 1989 году анализ состояния и миссии музея привёл к масштабному проекту реконструкции (совместная инициатива города Лиона и французского государства в рамках программы «Миссия крупных проектов»). Куратор Филипп Дюрей и архитекторы Филипп-Кристоф Дюбуа и Жан-Мари Вильмотт провели полную реконструкцию здания. Работы проводились в пять этапов, с 1990 по 1998 год, чтобы обеспечить постоянный доступ музея для публики.

В настоящее время музей занимает 14 500 квадратных метров, а коллекции размещены в 70 залах. Музей изящных искусств включает в себя дворец Сен-Пьер, церковь и здание Нуво Сен-Пьер.



Сад дворца Сен-Пьер
Многовековые стены бывшего аббатства защищают посетителей от внешнего шума. Под густой листвой лип, берез и величественных дубов садовые дорожки наполнены пением птиц, детским смехом и разговорами прохожих.
В центре находится круглая чаша, увенчанная древним саркофагом. Здесь выставлены скульптуры, создающие музей под открытым небом.



Музейный сад соответствует бывшему монастырскому двору аббатства XVII века. В этом огороженном пространстве монахини могли наслаждаться природой. Центральный пруд и горшечные апельсиновые, тисовые и экзотические растения украшали двор, а также скульптуры святых Михаила и Гавриила, богини Минервы и Конкорда.

После революции и отъезда монахинь монастырь был открыт для публики. Под аркадами выставлены надписи и фрагменты древней архитектуры из музея огранки камней.




Первая реконструкция сада началась в 1832 году. На террасах кованые перила были заменены каменной балюстрадой, украшенной декоративными вазами. Над аркадами были установлены слепки греческих фризов из Парфенона в Афинах и памятника Нереиде в Ксантосе.

Абрахам Хирш (1828-1913), архитектор, руководивший строительством музея, перестроил сад в период с 1879 по 1883 год. Сводчатые галереи были украшены росписью Луи Бардея (1851-1915). Над аркадами на мозаичном фоне были установлены бронзовые медальоны с изображениями выдающихся лионских художников, созданные по эскизам Шарля Ламейра (1832-1910). В нишах размещены гипсовые копии известных античных статуй ( Венера Медичи, Эфеб, Сатир, Диана Габийская, Афродита Капитолийская, Дискобол в покое, Венера Генетикс, Антиной Капитолийский ).




Сюда и приходишь, минуя первый вестибюль, а пройдя через сад или как я пройдя под сводами и определив вещи в камеру хранения, я прошла в сам музей и увидела эту историческую монументальную лестницу.

Нашла информациб на сайте музея об этих скульптурах:
Рона и Сона

Николя Кусту [ЛИОН, 1658 - ПАРИЖ, 1733] и Гийом Кусту [ЛИОН, 1677 - ПАРИЖ, 1746]
Дата работы
1719

Скульпторы Николя и Гийом Кусту, родом из Лиона, получали крупные заказы на оформление королевских резиденций и парижских церквей во времена правления Людовика XIV и Людовика XV. Происходя из рода лионских резчиков по дереву, Никола и Гийом Кусту в юном возрасте покинули Лион. Они присоединились к своему дяде, Антуану Койсевоксу, скульптору лионского происхождения, который в то время был директором Королевской академии живописи и скульптуры в Париже. Став членами Королевской академии, братья участвовали в престижных проектах по оформлению дворцов Версаля и Марли, а также крупных парижских церквей, таких как собор Нотр-Дам, Сен-Луи-де-Инвалид, Сен-Рош и Сен-Поль-Сен-Луи. Они редко работали над одним проектом, но объединили усилия для создания аллегорических фигур рек Сона и Рона.

Аллегории Роны и Соны
В аллегорической форме братья Кусту изображают Сону в образе молодой женщины, а Рону — в образе мужчины средних лет. Как и ранее в замке Марли (Ивелин), они возрождают традицию, восходящую к античности, примером которой служат древние скульптуры, изображающие Нил или Тибр в образе речных богов.


Два оригинальных шедевра скульптуры начала XVIII века.
Исключительное скульптурное качество статуй из Соны и Роны, созданных братьями Кусту, в сочетании с совершенством их отливки, делает их подлинными шедеврами французской скульптуры рубежа XVIII века. Эти произведения тем более ценны, учитывая, что почти все работы, воздвигнутые на королевских площадях в XVII и XVIII веках, были уничтожены во время революции. За исключением скульптуры «Четыре пленника» Мартина Дежардена в Лувре, которая стояла на постаменте идущей статуи Людовика XIV на парижской площади Побед, статуи из Соны и Роны являются единственными сохранившимися образцами этих монументальных ансамблей.

Как я уже писала, меня встретили в музее очень приветливо. Мужчина-кассир, увидев мое удостоверение, выдал мне бесплатный билет и пригласил пройти в залы, выдал мне и план музея. Но он был, конечно, на французском и заранее я почему-то как следует не подготовилась. Будь у меня побольше времени, посмотрела бы все. Но оставался всего час и я поняла, что придется выбирать.

Спросив, где находится лифт, двинулась к нему. Вошла в первый зал и он оказался Египетским.

Сразу увидела вот это.





Ворота храма в Медамуде

Медамуд
примерно 221-205 гг. до н.э.

Изначально эти монументальные ворота обозначали один из входов в главное святилище Медамуда.



На косяках фасада симметричное и гармоничное убранство изображает классическую сцену обращения царя к божеству перед входом в храм. Слева, в красной короне Нижнего Египта, Птолемей IV Филопатор совершает обряд для севера; справа, в белой короне Верхнего Египта и увенчанный богиней-стервятницей Нехбет , он повторяет свой жест для юга. Просто одетый в набедренную повязку с церемониальным шлейфом, фараон держит булаву и церемониальный посох в одной руке. Другой рукой, вытянутой в жесте речи, он направляется к воротам, чтобы встретиться с местным богом, великим, внушительным быком Монту. Под его ногами проходит надпись на воротах.



Проход украшен фризами с монументальными символами о долголетии правления. На обороте Птолемей IV приветствуется в храме богами-покровителями Медамуда. Справа он изображен в пшенте , принимающим меч с бараньим наконечником от Амона ; отсутствующая левая фигура, вероятно, относится к Монту .



Медамуд.
Правление Птолемея IV, около 221-205 гг. до н.э. Песчаник.
Высота
380 см, длина 360 см, диаметр 300 см.
Дар Института восточной археологии в 1938 году.

По другим сфотографированным мною экспонатам информации на сайте не нашла.






Но вот об этом написано там исчерпывающе.



Похоронный агент из Бакенхонсу

Фивы-Запад

1250-1220 гг. до н.э.

Погребальный служитель (ушабти) из Бакенхонсу одет в саван, напоминающий мумию. На нем трехчастный парик, кончики прядей которого украшены красными и желтыми лентами. Телесные тона окрашены в красный цвет, а детали обведены черным; белок роговицы придает взгляду выразительность.

Скрестив руки на груди, они держат мотыги, готовясь к сельскохозяйственным работам, которые им предстоят в загробной жизни. На саване восьмистрочная иероглифическая надпись содержит имя усопшего и его жреческий титул.

Бакенхонсу, известный и в других местах, был важной фигурой в период правления Рамессидов. Родившись в конце 18-й династии, он начал свою карьеру в жречестве Амона, а затем поднялся до престижного ранга Первого пророка Амона при Раме II. В тексте также цитируется обычная версия главы VI Книги о выходе в день, которая содержит формулу, предназначенную для того, чтобы ушабти выполнял сельскохозяйственные работы в загробной жизни.

Качество этой небольшой расписной деревянной скульптуры очевидно, особенно в тонкости деталей и выражении спокойствия, даже внутренней замкнутости, которое исходит от персонажа.

Все это, конечно, интересно, но при моем цейтноте просто совсем не было возможности осмотреть тут все подробно, и я спешу к лифту, поднимаюсь на верхний этаж, но там тоже не совсем то, что мне хочется посмотреть. Спрашиваю, на каком уровне в музее картины, живопись и наконец попадаю, куда надо. Но... снова начинаю все смотреть в обратном направлении.

Сразу из лифта на втором этаже попадаю в большой зал с такими картинами

На сайте есть описание этого цикла картин.
Поэма души — Идеал
Информация о художнике
Луи Жанмо [Лион, 1814 г. - Лион, 1892 г.]
Дата работы
1854

Главный труд, задуманный Луи Жанмо, выдающимся художником своего времени, на протяжении всей его карьеры, представляет собой проект, состоящий из четырех циклов композиций, сопровождаемых стихотворением из 2800 строк, иллюстрирующим жизненный путь молодого человека, сталкивающегося с радостями, но также опасностями и испытаниями жизни. Только первый из этих циклов был завершен в живописи и представлен на Всемирной выставке 1855 года в Париже под названием « Душа, стихотворение в восемнадцати картинах» (L'Âme, poème en dix-huit tableaux) . Это стихотворение воссоздает рождение юноши, его детство и юность в компании молодой женщины. Однако их зарождающаяся любовь жестоко прерывается ее смертью, изображенной в этой композиции, которая иллюстрирует уход ее души из земли.

Этот цикл, глубоко проникнутый католическим благочестием, благодаря своему содержанию, принадлежит к движению религиозного возрождения, особенно активному в Лионе в середине XIX века, где его поддерживали такие деятели, как Фредерик Озанам и Виктор де Лапрад, с которыми художник был близок. Жанмо выделяется в искусстве своего времени своим спиритуализмом, который перекликается как с творчеством англичанина Уильяма Блейка или немца Филиппа Отто Рунге, так и с творчеством его современников-прерафаэлитов, чье чувство красоты он разделяет. Его стремление к чистоте линии унаследовано от его учителя Энгра и от его любви к итальянской живописи Кватроченто. Он сочетает это с подлинной чувствительностью к природе, например, в скалистом пейзаже, который служит фоном для этой сцены.












Мне больше всего запомнилась вот эта картина. Подпись к которой гласит:

Луи Жанмо, «Поэма души», полный цикл из 18 картин

На сайте есть еще справа возможности открыть дополнительную информацию
https://www.mba-lyon.fr/fr/fiche-oeuvre ... ame-lideal

Но они не все открываются. А та ссылка, что сработала, выдала информацию на французском без возможности ее автоматического перевода
https://www.mba-lyon.fr/sites/mba/files ... mot_bd.pdf

Так что при желании можно получить дополнительную информацию, пройдя по этим ссылкам.

А вот эта даже открывается в автоматическом переводе
Le Poème de l'âme?&view zoom=1
где описаны каждая из картин цикла.

И там же приведены 16 эскизов второго цикла а в целом:

«Поэма души» Луи Жанмо —это произведение всей его жизни, созданное в период с 1835 по 1881 год. Представленная на Всемирной выставке 1855 года , она представляет собой одновременно живописное и литературное произведение, включающее 18 картин и 16 рисунков углем, вдохновленных длинной поэмой из 2800 строк, также написанной Жанмотом. Эта обширная коллекция повествует о жизни души на Земле, воплощенной в молодом человеке, которого сопровождает его спутница. Затем работа изображает жизнь человека, оставшегося в одиночестве после смерти своей спутницы, с которой художник себя отождествляет.

Автопортрет этого художника.


А вот коротко его биография:

Луи Жанмо (Louis Janmot) — французский художник и поэт, переходная фигура между романтизмом и символизмом, предтеча прерафаэлитов.
en.wikipedia.org

Родился 21 мая 1814 года в Лионе в семье глубоко религиозных родителей-католиков. Смерть брата в 1823 году и сестер в 1829 году глубоко потрясла его.

В 1831 году был принят в Лионскую школу изящных искусств, а год спустя удостоился высшей награды — Золотого лавра.

В 1833 году приехал в Париж, чтобы брать уроки живописи у Виктора Орселя и Жана-Огюста-Доминика Энгра.

В 1835 году вместе с другими учениками посетил Рим.

После возвращения в Лион в 1836 году Жанмо привлек внимание критиков Парижского салона, создав масштабные картины с религиозным вдохновением, например «Воскресение сына вдовы Наинской» (1839) или «Христос в Гефсимании» (1840).

В 1856 году получил заказ на написание фрески (впоследствии уничтоженной), изображающей Тайную вечерю, для церкви Святого Поликарпа.

В 1887 году в Лионе и Париже была опубликована книга объёмом более 500 страниц под названием «Мнение художника об искусстве», в которую вошли статьи, ранее написанные Жанмо.

Умер 1 июня 1892 года в Лионе в возрасте 78 лет.

Только сейчас, когда начала более подробно читать о Луи Жанмо и нашла в интернете его автопортрет, увидела его же среди своих фото!

Дело в том, что следующим залом, мною посещенным, был зал живописи, судя по всему 19 века, так как все картины разных художников имели дату написания 18..

И вот среди них такая красота


Я выделила вот эту картину и сделала отдельное фото ее этикетки





Нашла такую информацию о ней:
«Цветок полей» —картина на дереве, написанная в 1845 году лионским художником Луи Жанмо . Она была приобретена в 1893 году Музеем изящных искусств Лиона, где и хранится до сих пор.

Кстати, вот ответ на вопрос - когда поступили картины в этот музей - получается, что данное полотно украсило музей еще в конце 19 века.

На картине изображена молодая женщина, сидящая на фоне природы, в окружении цветов и бабочек . В руках у нее два букета : один, лежащий на коленях, состоит из лютиков , ромашек и васильков , другой, поднятый вертикально, — из маков . На заднем плане — зеленые равнины и горы региона Буге . Небо голубое, с белыми облаками у гор, что указывает на то, что действие, вероятно, происходит поздним вечером. Каждый цветок, как и лицо женщины, написаны с исключительной точностью, использованные цвета нежные, и от сцены исходит некая меланхолия . Взгляд молодой женщины, кажется, содержит оттенок серьезности.

Судя по датам, эта картина участвовала в различных выставках еще при жизни художника:
Картина, в частности, выставлялась в Парижском салоне в 1845 году и на Всемирной выставке (1855) , также в Париже, среди прочих выставок. Она была отреставрирована в 1974 году.

... неясно, является ли картина портретом женщины, известной Жанмо, но одежда, которую она носит, не соответствует её времени, а напоминает портреты итальянского Возрождения . Возможно, это картина с цветами, поскольку этот вид искусства был очень популярен в Лионе в XIX веке. Другая теория заключается в том, что молодая женщина — это богиня Флора , размышляющая о быстротечности времени.

На продолжение темы Луи Жанмо я наткнулась уже в середине зала, а при входе в него увидела такой выразительный портрет




То, что это картина кисти Жерико, я поняла сразу, а на сайте музея, к счастью нашлась подробная информация:

Мономан-зависть

Теодор Жерико [Руан, 1791 г. – Париж, 1824 г.]
Дата
Примерно 1819-1822 годы

Эта картина входит в серию из пяти портретов душевнобольных, написанных Жерико. Обычно говорят, что о происхождении этих портретов практически ничего не известно. В письме 1863 года критик Луи Виардо рассказывает об их случайном обнаружении в Германии спустя долгое время после смерти художника и описывает этих безумцев как мономаньяков. Он уточняет природу каждой из их навязчивых идей: похищение детей (Спрингфилдский музей изящных искусств), военное командование (Винтертур, коллекция Оскара Райнхарта в Рёмерхольце.), кража (Гент, Музей изящных искусств), игра (Париж, Лувр) и Зависти.

Отходя от живописных образов, художник, изображая этого анонимного пациента, создает подлинный клинический портрет, нарушая традиционные правила портретной живописи. Возвышение этой модели, теперь считающейся достойной изображения, утверждает простых людей как новых действующих лиц в истории в эту постреволюционную эпоху. Внутренние терзания также становятся ключевой темой романтизма.


Теодор Жерико был французским художником , скульптором , графиком и литографом , родился 26 сентября 1791 г. в Руане и умер 26 января 1824 г.в Париже .

Воплощение образа художника- романтика , он прожил короткую и бурную жизнь, породившую множество мифов. Его самая известная работа — «Плот Медузы» (1818–1819). Он также известен своей страстью к лошадям, которых изображал в конюшне или в бою на полях сражений Наполеона.

Побольше о нем можно посмотреть и почитать по ссылке,
https://www.mba-lyon.fr/sites/mba/files ... ult_bd.pdf
но если вы владеете французским.

А я иду дальше, поглядывая на часы, и видимо поэтому делаю фото замечательной картины неудачно сбоку








Жозеф-Дезире Курт родился в Руане14 сентября 1797 г.и умер в Париже23 января 1865 г.— французский художник....

Молодой художник максимально использовал время в Рим он последовательно отправлял на парижские выставки «Сцену потопа» , «Ипполита, сброшенного с колесницы» , «Фавна в купальне, привлекающего молодую девушку» и, наконец, в 1827 году, «Смерть Цезаря» . « Сцена потопа» , ныне находящаяся в Музее изящных искусств в Лионе удачно подытожила учение Гроса и продемонстрировала мощь таланта Курта...


Среди крупных работ, заказанных Курту, были также роспись первого салона Парижской ратуши , включающая восемнадцать панно, от которых он отходит — композиция, выполненная в 1841 году по просьбе префекта Сены Рамбюто , — и роспись купола нового Исаакиевского собора в Санкт-Петербурге , освященного в 1850 году.

И особенно мне понравилась вот эта картина.




К сожалению, об этом художнике не нашла информации во французской Википедии.

Далее в этом зале я делала общие фото расположения картин, ведь каждую все равно не сфотографировать, а времени у меня было немного.




















На сайте из всего этого многообразия я нашла подробное описание лишь небольшого полотна с первого фото в этой подборке.


Обнаженный автопортрет

Жан-Батист Френе [Лион, 1814 г. – Шарли, 1889 г.]
Дата
Примерно в 1860 году

Жан-Батист Френе — одна из самых нетипичных фигур на лионской художественной сцене XIX века, несмотря на классическое образование, полученное в парижской мастерской Энгра. Его творения отличаются странностью, отходом от традиционных канонов и во многом остаются непонятыми современниками. Художник сочетал христианское вдохновение с эгалитарным и социальным дискурсом, находясь под влиянием теорий Фелисите де Ламенне и либеральной католической мысли, а также идеалов 1848 года. Его главная работа, оформление крипты Святой Бландины в базилике Сен-Мартен д'Эне в Лионе, которая вызвала резкую критику со стороны консервативных кругов, была уничтожена через несколько лет после завершения в 1848 году.

Глубоко потрясенный этим эпизодом, Френе постепенно оставил живопись. Этот странный обнаженный автопортрет, по-видимому, относится к этому периоду. Его форма нарушает условности жанра: художник не стесняется демонстрировать свое тело зрителю, обращаясь с ним без прикрас и преувеличивая свою мускулатуру до почти возмутительной степени. Принятая им поза напоминает позу...невежество Микеланджело на своде Сикстинской капеллы в Риме. Френе особенно восхищался ощутимой энергией, передаваемой в работах итальянского мастера. Относится ли его обвиняющий указательный палец, указывающий влево, к несправедливости, постигшей художника, к уничтожению его декора, как будто он указывает на виновных?


Должна отметить, что в подборку полотен 19 века включены и картины импрессионистов, расположенные в других залах которые я посмотрела гораздо позже.
https://www.mba-lyon.fr/fr/type-de-collection/peintures

И все же ряд картин с сфотографировала отдельно. Из них только 2 подробно описаны на сайте музея.



Молодой пастух сидит
Ипполит Фландрен [Лион, 1809 г. – Рим, 1864 г.]
Дата
1834-1835


Эта картина, изображающая молодого обнаженного мужчину, сидящего на фоне пейзажа, является академическим упражнением. Подобные упражнения составляют один из основополагающих принципов обучения художников со времен Ренессанса. Они учатся мастерски владеть анатомией человеческого тела, изучая его в обнаженном виде, чтобы точно определить его позу, прежде чем одевать его в соответствии с потребностями создаваемых композиций.


Ипполит Фландрен, получивший образование в мастерской Жана Огюста Доминика Энгра, а также в Школе изящных искусств в Париже, стал наследником этой классической традиции. В 1832 году он получил Римскую премию, которая предоставила ему пятилетнее проживание на вилле Медичи в Риме за счет государства. Взамен, согласно правилам, он должен был ежегодно отправлять одну или несколько картин в Академию изящных искусств, характер которых был четко кодифицирован, чтобы можно было оценить его прогресс. Его работа, выполненная во второй год обучения и получившая название "Утешение для душ завистников", была представлена ​​на соискание степени магистра.

Добро и зло


Виктор Орсель [Уллен, 1795 – Париж, 1850]
Дата работы
1832

Масло на холсте.
Высота 315 см; ширина 205,8 см.
Передано в Луврский музей в 1886 году.



Эта крупноформатная картина, наполненная религиозной символикой, рассказывает историю двух молодых женщин, олицетворяющих два принципа: Добро и Зло. По обе стороны от центральной аллегории серия небольших сцен, противопоставляя их, изображает их пути. Первая, одетая в зеленое и изображенная слева, следует пути мудрости и добродетели, что обеспечивает ей спокойную и счастливую жизнь. Справа вторая поддается страсти и вступает в то, что описывается как распутная жизнь, уступая ухаживаниям рыцаря, который бросает ее после рождения ребенка. Отвергнутая семьей, она расстается с жизнью. Символы, орнаменты и латинские фразы подчеркивают смысл послания.


Выбрав формат, изогнутый вверху, используя сусальное золото и сопоставляя несколько сцен из одной и той же истории, Виктор Орсель намеренно перенимает некоторые черты церковной живописи позднего средневековья и раннего Возрождения. Однако эта работа не была заказана какой-либо религиозной группой, а скорее представляла собой грандиозное полотно с моральным и христианским посылом. Желая поставить свое искусство на службу религиозному возрождению, художник, родившийся в Лионе, принял формальную и духовную концепцию живописи, вдохновленную примером итальянских живописцев XV века и группы немецких художников, с которыми он познакомился в Риме, — «назаренцев». Манифест этой новой эстетики, эта работа была представлена ​​в Парижском салоне в 1833 году.

Предпросмотр: Re: Ponant мое французское вауфи - круиз на L’Austral по Канарским островам

Сделала отдельные фото особенно впечатливших меня картин.








Клод Боннефонд , или Жан-Клод Боннефонд ( французское произношение: [ʒɑ̃ klod bɔnfɔ̃] ; 27 марта 1796 г., Лион — 27 июня 1860 г., Лион) — французский художник и литограф, известный своими изображениями крестьянской жизни. На его творчество оказало сильное влияние путешествие в Италию.



Короткие сведения из биографии:

В 1808 году, в возрасте двенадцати лет, он поступил в Национальную высшую школу изящных искусств в Лионе , где учился у Пьера Ревуаля и Алексиса Гроньяра (1752-1840).

В возрасте 28 лет он и Виктор Орсель отправились в Париж работать в мастерской Пьера-Нарсиса Герена . Вскоре после этого Герен был назначен директором виллы Медичи , и Боннефонд сопровождал его в Рим.

Находясь в Италии, он также посетил Кампанию и Тоскану и познакомился с несколькими немецкими художниками движения «Назаретяне» , в том числе с Юлиусом Шнорром фон Карольсфельдом , Йозефом Антоном Кохом и Иоганном Фридрихом Овербеком .

В 1830 году Виктор Прюнель , мэр Лиона, предложил ему должность директора Школы изящных искусств. Он принял её, сменив Ревуаля, и занимал этот пост тридцать лет.

Его собственные работы продолжали быть выдержанными в итальянском стиле до 1840 года, когда он обратился к написанию портретов местной буржуазии.

И еще о нескольких полотнах в этом зале. Понравился вот этот портрет





Жан-Ипполит Фландрен (23 марта 1809 — 21 марта 1864) — французский художник-неоклассик. Его самая знаменитая работа « Jeune Homme Nu Assis au Bord de la Mer » (1836) хранится в Лувре .



С раннего возраста Фландрен проявлял интерес к искусству и мечтал стать художником. Он был вторым из трех сыновей, все трое из которых были художниками. В 1832 году он получил Римскую премию, которая позволила ему учиться в Риме в течение пяти лет . За это время он создал несколько картин, что повысило его известность как во Франции, так и в Италии. В 1853 году Фландрен был избран в Академию изящных искусств.

В 1843 году Фландрен женился на Эме-Каролин Ансело (1822–1882). Их сын Поль Ипполит Фландрен (1856–1921) стал художником сакрального искусства, портретистом и декоратором.

Отдельно сделала фото нескольких картин одного и того же художника.













Из Википедии: картина "Комминж роет себе гробницу, за чем наблюдает Аделаида, переодетая монахом» — последняя картина Флери Франсуа Ришара , созданная между 1822 и 1844 годами и ныне хранящаяся в Музее изящных искусств Лиона .

сюжет взят из пьесы «Les Amans malheureux, ou le Comte de Comminge» (1764), адаптированной Франсуа-Тома-Мари де Бакулар д'Арно на основе трагической истории любви Клодин Герен де Тенсен « Воспоминания о графе де Комменж» (1735) .

На картине изображен «Комминж, копающий себе могилу на глазах у Аделаиды, переодетой в монаха». [ 1 ] В этой трагической истории любви, подобно «Ромео и Джульетте» или «Тристану и Изольде» , любовь Комминжа и Аделаиды рушится из-за действий их семей. Комминж, считая Аделаиду ​​мертвой, переезжает в аббатство Ла Трапп . Аделаида, найдя его, решает жить с ним, переодевшись в монаха, незаметно для него. Только после смерти Аделаиды Комминж наконец узнает ее. [ 2 ]

Действие картины происходит в монастырском дворике. Комминж идет слева, печально неся лопату, которой он копает могилу, видимую на заднем плане. Аделаида сидит в монашеском облачении, с книгой на коленях, печально глядя в его сторону. Рядом с ней также лежит ее собственная лопата



Флери Франсуа Ришар (25 февраля 1777, Лион – 14 марта 1852, Экулли ), иногда называемый Флери-Ришаром , был французским художником Лионской школы . Ученик Жака-Луи Давида , Флери-Ришар и его друг Пьер Ревуаль были предшественниками стиля трубадуров .

Сын магистрата, Флери Франсуа Ришар учился в Коллеж де л'Оратуар в Лионе , а затем в Школе рисунка у Алексиса Гроньяра. В последней он познакомился с Пьером Ревуалем . В 1796 году он поступил в парижскую мастерскую Жака-Луи Давида . Его первые картины имели большой успех, и он слился с парижской интеллигенцией, среди которой высоко ценился трубадурский стиль . Он стал любимым художником императрицы Жозефины де Богарне , которая приобрела множество его картин.

В 1808 году он открыл собственную мастерскую во дворце Сен-Пьер в Лионе, получив её от города за заслуги перед ним, которые принесла его репутация. В 1809 году он был принят в масонскую ложу Исиды Шотландского обряда, а в 1814 году женился на дочери банкира, Бланш Менут.

Его картина "Валентина Миланская оплакивает смерть своего мужа Людовика Орлеанского" (ок. 1802 ) находится у нас в Эрмитаже.

Перехожу в следующий зал и рада, что удалось снять фото таблички к нему. Значит пойдут полотна, написанные в 18 веке. Причем должны быть представлены художники из разных стран.



Смотрю на часы и время меня подгоняет - делаю в основном общие фото.











Но мимо некоторых картин нет сил пройти. И с радостью нахожу их сейчас на сайте музея - но их всего две из представленных 6 полотен 18 века на сайте музея.
https://www.mba-lyon.fr/fr/type-de-collection/peintures



Натюрморт с павлином

Александр Франсуа Депорт [Шампинель, 1661 г. - Париж, 1743 г.]
Дата работы
1714
Масло на холсте.
Высота 205 см; ширина 180 см.





Придворный художник, специалист по анималистической живописи, Деспорт создал множество декораций для королевских резиденций, включая сцены охоты и величественные натюрморты, такие как эта картина, написанная для украшения отеля герцога д'Антена в Париже, аналогом которой является картина « Дичь, фрукты и собака перед балюстрадой» (Анже, Музей изящных искусств).

Картина искусно сочетает классическую архитектуру, пейзаж, скульптуру и натюрморт. Балюстрада, разделяющая полотно на две почти равные части, придает ему театральный характер, который еще больше усиливается тяжелыми красными драпировками. Барельефы, выполненные в стиле скульптора Франсуа Дюкеснуа, изображают кентавров, похищающих молодых женщин. Различные животные, такие как обезьяны и попугаи ара, добавляют нотку экзотики, типичную для подобного рода сюжетов.

Передача материалов, шелковистость тканей, прозрачность винограда, обработка меха обезьяны и оперения павлина свидетельствуют о скандинавском происхождении художественной культуры художника.

Вторая картина с найденным описанием на сайте

Гранд-канал в Венеции

Бернардо Беллотто [Венеция, 1721 г. - Варшава, 1780 г.]
Дата
Примерно 1736-1740 годы





Подобно своему дяде, знаменитому Каналетто, Беллотто был специалистом по «ведута» , то есть изображению памятников и панорамных городских видов. Этот жанр, чрезвычайно модный в Италии XVIII века, особенно привлекал молодых английских аристократов, совершавших «Большое путешествие» — поездку по континентальной Европе, которая являлась неотъемлемой частью их образования. Предшественницы сувенирных фотографий, «ведута» позволяли путешественникам сохранять воспоминания о своем пребывании в итальянских городах.

На этой картине нам предлагается созерцать Гранд-канал во всем его величии на площади Кампо-Сан-Самуэле. Лодки и гондолы скользят по спокойным водам канала от одного берега к другому, отражая роскошный фон дворцовых фасадов. Беллотто стремится изобразить венецианскую архитектуру с большой точностью, строгостью и аккуратностью. Так, например, на заднем плане можно узнать Палаццо Бальби с двумя обелисками на крыше, а также Ка' Реццонико и Ка' Фоскари. На заднем плане слева возвышается колокольня церкви Фрари, а справа — колокольня церкви Сан-Тома. Хотя этот вид может показаться документальным, не следует заблуждаться: художник перекомпоновал его, адаптировав размеры некоторых зданий к общему эффекту.


Художник выходит за рамки простого описания, наполняя свою композицию всей магией, исходящей от Города Дожей. Он стремится вдохнуть жизнь в этот городской пейзаж, добавляя живописные детали. Под ветреным, серебристым небом в центре композиции величественно возвышаются здания. Маленькие, стройные, красочные фигурки скользят по гондолам, добавляя ритм и динамизм этой театральной сцене, контрастируя с более строгими, монохромными линиями архитектуры.

Непонятно почему именно в этом разделе музей так минималистично представил полотна - всего 6 из нескольких десятков?! Но возможно, они более подробно описаны в разделе онлайн-коллекций, который у меня категорически не открывается. Только общие названия всех разделов
https://www.mba-lyon.fr/en/article/online-collections

Когда же я нажимаю на конкретный раздел, например: Французская живопись 15-18 века
https://collections.mba-lyon.fr/en/coll ... th-century

То по этой ссылке у меня просто чистая страница.

В этом зале понравились несколько портретов.






Пьер-Поль Прюдон , 4 апреля 1758 — 16 февраля 1823) — французский художник и график неоклассицист, наиболее известный при жизни своими аллегорическими картинами и портретами, а теперь — рисунками. Он написал портрет жены Наполеона , императрицы Жозефины.



Пьер-Поль Прюдон родился в Клюни , департамент Сона-и-Луара , Франция. Он получил художественное образование во французских провинциях. В 1778 году в Клюни он женился на Жанне Пенне. У них было шестеро детей. В возрасте двадцати шести лет он уехал в Италию , чтобы продолжить образование.

После падения Робеспьера в 1794 году Прюдон счёл разумным покинуть Париж. Он провёл два года во Франш-Конте, занимаясь написанием портретов и созданием иллюстраций к книгам.

Его ценили другие художники и писатели, в том числе Стендаль , Делакруа , Милле и Бодлер , за его игру света и тени и убедительный реализм.





Сэр Томас Лоуренс (13 апреля 1769 — 7 января 1830) — английский художник, занимавший пост четвёртого президента Королевской академии . Вундеркинд, он родился в Бристоле и начал рисовать в Девайзе , где его отец был трактирщиком в отеле «Медведь» на Рыночной площади . В десять лет, переехав в Бат , он содержал семью, занимаясь портретной живописью пастелью .



В 18 лет он отправился в Лондон и вскоре зарекомендовал себя как портретист , работающий маслом , получив свой первый королевский заказ — портрет королевы Шарлотты — в 1789 году. Он оставался на вершине своей профессии до самой смерти в возрасте 60 лет в 1830 году. Самоучка, он был блестящим рисовальщиком и известен своим даром передавать сходство, а также виртуозным владением красками.

несмотря на свой успех, большую часть жизни он провел в долгах и никогда не был женат. На момент смерти он был самым модным портретистом в Европе.

Это не портрет, но картина привлекла мое внимание.




Джузеппе Мария Креспи (14 марта 1665 — 16 июля 1747), по прозвищу Ло Спаньуоло («Испанец»), был итальянским художником позднего барокко, представителем Болонской школы . Его эклектичное творчество включает религиозные картины и портреты, но в настоящее время он наиболее известен своими жанровыми полотнами .


Его мать была дальней родственницей знатного рода Коспи, имевшего связи с флорентийским домом Медичи . Его прозвали «испанцем» (Lo Spagnuolo) из-за привычки носить обтягивающую одежду, характерную для испанской моды того времени.

Креспи был эклектичным художником, портретистом и блестящим карикатуристом , а также известен своими офортами по работам Рембрандта и Сальватора Розы . Можно сказать, что он создал множество шедевров в разных стилях. Он написал немного фресок... Одна из знаменитых серий полотен, « Семь таинств» , была написана около 1712 года и сейчас находится в Картинной галерее старых мастеров в Дрездене .

Давно пора продолжить описание моего пробега по художественному музею в Лионе. Пытаюсь компенсировать недостатки осмотра полотен на месте теперешним подробным рассматриванием их деталей на своих фото и на сайте.

Отдельное место для размещения натюрмортов.



На сайте выделена из них только 1 картина, которую я как раз не сфотографировала, зато к ней есть описание.


Цветы и фрукты в плетеной корзине
1810
Антуан Бержон [Лион, 1754 г. - Лион, 1843 г.]

Эта картина Антуана Бержона является показательной для экспериментов некоторых лионских художников с цветочным мотивом. В его творчестве прослеживается влияние фламандских живописцев конца XVIII века, у которых он перенял вкус к пышным и декоративным букетам из цветов разных сезонов, которые он с удовольствием составляет на мраморных столах. Иллюзионизм деталей, доведенный до крайности в крошечной мухе, севшей на дыню, сопровождается виртуозным использованием лессировок, позволяющих создавать эффекты прозрачности.

После революции Лион был опустошен. В 1793 году жестокая осада армий Конвента, направленная на подавление восстания, причинила масштабный ущерб и разрушения. Город нуждался в восстановлении, а его экономика — в оживлении. Шелк стал главной движущей силой этого восстановления. Для развития этой отрасли требовались художники, способные создавать эскизы, среди которых наиболее ценились цветочные мотивы. Таким образом, лионские шелкоткачи сыграли ключевую роль в создании школы изящных искусств, в которой был «класс цветочной живописи». В этом контексте возникла специализация Лиона на цветочной живописи, которая процветала на протяжении всего XIX века, пионером которой стал Бержон. Первоначально работая на шелковую промышленность, он в конечном итоге перешел на создание амбициозных станковых картин, высоко ценившихся его современниками.



Антуан Бержон (17 мая 1754 — 24 октября 1843) — французский художник и дизайнер, один из самых важных мастеров цветочной живописи Франции XIX века. Он работал в различных техниках, включая масло , пастель , акварель и тушь .

В 1791 году Парижский салон принял четыре его работы, в том числе «Натюрморт с персиками и виноградом» . Прожив в Париже 17 лет, он выставлялся в Салоне не менее пяти раз.

К моменту своего возвращения в Лион в 1810 году его репутация возросла, и он стал профессором флористики в недавно созданной Школе изящных искусств , основанной по указу Наполеона в 1807 году для возрождения шелковой промышленности Лиона. Он был уволен в 1823 году после 13 лет работы...открыл собственную студию в Лионе, давал частные уроки и продолжал заниматься искусством в течение последних двух десятилетий своей жизни. Он умер в Лионе в возрасте 89 лет.

Сфотографировала я и один из его же натюрмортов с фруктами.




Понравилась вот эта картина.




Симон Сен-Жан (14 октября 1808 г., Лион — 3 июля 1860 г., Экулли ) — французский художник, специализировавшийся на изображении цветов.



В 1822 году он поступил в Лионскую школу изящных искусств ...выиграл несколько конкурсов по живописи цветов и был награжден золотой медалью в 1826 году .

Его картина «Христос с виноградом» привлекла внимание барона Сципиона Корвисара, приемного сына Жана-Николя Корвисара , который продолжил продвижение карьеры Сен-Жана, представив его работы на бельгийском и голландском рынках. В Англии их приобрел маркиз Хертфорд . Во Франции их купил герцог де Морни.

Но его критиковали. В частности: В 1845 году Шарль Бодлер увидел его экспозицию в Салоне и отнёсся к его работам крайне критически, назвав их «картинами для столовой». В следующем году Бодлер снова раскритиковал его за чрезмерное использование жёлтого цвета. На Всемирной выставке 1851 года в Лондоне он представил шесть своих картин.

И снова цветы.




Ян Франс ван Даэль , или Жан-Франсуа ван Даэль (27 мая 1764 — 20 марта 1840), был фламандским художником и литографом, специализировавшимся на натюрмортах с цветами и фруктами. Он сделал успешную карьеру в Париже, где среди его покровителей были императрицы Французской империи , а также короли Франции эпохи Реставрации . Его работы относятся к фламандской и голландской традиции цветочной живописи, отличающейся сдержанной композицией и вниманием к деталям, к которым он добавил вдохновленную французским стилем декоративную монументальность.


Ян Франс ван Даэль родился в Антверпене в семье столяра. Он изучал архитектурное черчение в Антверпенской академии . В 1786 году он отправился в Париж, где жил в помещениях для художников в Лувре ... Первоначально он работал декоратором и занимался проектами в замках Сен-Клу, Бельвю и Шантийи. Он стал самоучкой в ​​живописи. Под влиянием ван Спаендонка он обратился к цветочной живописи.

Свидетельством его успеха являются многочисленные заказы, полученные им от императриц Жозефины (которой принадлежали пять его работ) и Марии-Луизы Бонапарт, а также от королей эпохи Реставрации Людовика XVIII и Карла X.

Всю свою активную карьеру он провел во Франции. Он умер в Париже в 1840 году и был похоронен на кладбище Пер-Лашез рядом со своим другом ван Спаендонком.

И наконец, еще один натюрморт. И это уже 17 век




Жан-Батист Моннуайе (12 января 1636 — 20 февраля 1699) был франко-фламандским художником, специализировавшимся на цветочных картинах. Он также работал в мастерских гобеленов Гобеленов и Бове , где создавал эскизы фруктов и цветов для ткачей, а в Бове был одним из трех художников , которые сотрудничали в создании эскизов для серии «Император Китая» .



Он родился в Лилле...В 1665 году был принят в Королевскую академию живописи и скульптуры с работой в жанре, который стал его специализацией, — натюрмортом с цветами и фруктами в сочетании с предметами искусства... В 1690 году он покинул Францию ​​и отправился в Англию, чтобы работать над росписью декораций для дома Монтагю в Блумсбери , Лондоне, где он создал более пятидесяти панно с фруктами и цветами для каминов и дверей , некоторые из которых сохранились в Боутон-Хаусе...

Кто-то может подумать, что я совсем забросила свой отчет и решила его не дописывать, но это не так. Я периодически в него заглядываю, но все время вижу вместо своих фото одно и то же слово - изображение. Никак не уловлю, почему в отдельных отчетах фото открываются нормально, а в большинстве других все также как в моем? Причем в одно и то же время.

Есть и еще одна причина задержки с продолжением - я побывала на нескольких выставках и надо было в блог поскорее написать о них. Для интересующихся: выставка "Василий Тропинин" в Мраморном дворце Русского музея
https://vagantelatero.blogspot.com/2026 ... .html#more

и выставка "Екатерина 1" в Эрмитаже.
https://vagantelatero.blogspot.com/2026/05/1.html#more

Обе очень хороши, рекомендую посетить.

Есть еще одна отговорка по поводу задержки с продолжение этого отчета - у меня так и не открываются онлайн =коллекции на сайте Музея изящных искусств в Лионе, и мне не хватает материала для его написания в том же стиле, что и в предыдущих постах. Так что невольно придется изменить своему правилу писать о выставленных картинах, так как из-за нехватки времени ко многим картинам я не успевала снимать этикетки.

Но самое обидное, что как раз начались залы живописи 17 века и там столько всего интересного. Буду идти по очередности своих фото и пытаться, если найду материалы, приводить информацию.

Сначала общие виды и сразу угадала имена двух художников и названия нескольких сюжетов картин.






К этому снимку я сняла этикетки, и в автоматическом переводе: верхнее небольшое полотно это Антон ван Дейк (1599-1641) "Две учебные головы" ( около 1620) .Картина поступила из коллекции эрцгерцога Леопольда Вильгельма в 17 века.

А внизу Ян Олис 1610-1676 ( Нидерданды) "Старик". Приобретен в 1807г.

Далее угадала, конечно, сюжет, но художник мне неизвестен


На этикетке значится: приписывается Артусу Вольффорту (1581-1641), Антверпен
"Святой Иероним в размышлении".

Необыкновенно хороши вот эти 2 картины. К той, что слева нет этикетки, а справа это, видимо, Йорденс


Якоб Йорданс (1593-1678), Бельгия, "Меркурий и Аргус", покупка 1893г.
На сайте музея есть описание этой картины:
Якоб Йорданс нашел этот сюжет в «Метаморфозах» Овидия , где Юпитер вынужден превратить Ио, нимфу, в которую он влюбился, в белую телицу, чтобы защитить её от гнева своей жены Юноны. Однако Ио оказывается под стражей Аргуса, который подчиняется приказам Юноны. Затем Юпитер посылает Меркурия, который на этой картине собирается вытащить меч, чтобы освободить возлюбленную Юпитера от её похитителя, обезглавив его.

Художник, кажется, намеренно лишает главных героев басни их божественного статуса, в частности, сводя Аргуса, наделенного в мифе сотней глаз, к образу усталого, растрепанного старика, утратившего всю свою грозную силу. Меркурий, в свою очередь, воплощен в пастухе с грязными ногами, который только что убаюкал бдительность Аргуса, играя на флейте, поставленной на землю. Эта работа Йорданса, с ее сильными натуралистическими обертонами, принадлежит к скандинавской традиции, художник частично заимствует композицию, выгравированную на эту тему Хендриком Гольциусом. Тем не менее, Меркурий и Аргус изображены в героической наготе, в манере античных скульптур. Рельеф, изображающий раненого Адониса на римском саркофаге, даже вдохновил Йорданса на позу старого Аргуса, опирающегося на свой посох.

Интенсивность и откровенность этой композиции подчеркиваются плотным кадрированием сцены и сильными цветовыми контрастами, характерными для работ Йорданса этого периода.


2 следующие картины я и узнала, и этикетки к ним сняла:
Питер Пауль Рубенс
[Зиген, 1577 г. – Антверпен, 1640 г.]
Поклонение волхвов



И описание этой картины есть на сайте
https://web.archive.org/web/20081118180 ... _des_mage/

Поддерживаемый матерью, крошечный ребенок покоится рядом с вохвом, стоящим перед ним на коленях, который почтительно целует его ногу. Редко когда эта сцена Поклонения волхвов, так часто изображаемая, была представлена ​​с такой человечностью и великолепием. Мария и Иосиф нашли убежище в пещере, превращенной в хлев, на заднем плане которого виден сарай. Скромная соломенная подстилка в яслях контрастирует с великолепием рифленой чаши, наполненной золотыми монетами, и великолепием нарядов этих пришедших издалека людей: богато отделанные мехом плащи, туника из блестящего золота, парча и дамаск. Расположенные по одной диагонали, волхвы, несомненно, представляют три возраста человека. Рядом с ними слуги приносят царские подношения. На заднем плане солдаты и зрители, ютящиеся в слишком тесном пространстве, образуют пеструю компанию с различными позами и выражениями лиц.

Юный мальчик, скрытый в тени среди толпы, несёт мирру и смотрит на нас. Благодаря ярким, контрастным цветам, текстурным эффектам и плотной композиции, Рубенс использует диагонали и арабески для соединения фигур и плоскостей, создавая произведение в стиле барокко . Фламандский художник неоднократно обращался к этой теме. Эта картина, датированная примерно 1617-1618 годами, вероятно, предназначалась для частной коллекции, поскольку её горизонтальный формат делает маловероятным её использование в качестве алтарного образа. Она получила значительную известность благодаря репродукциям в гравюрах и гобеленах.


Автора этого полотна я угадала сразу издалека - это, конечно, Снейдерс (1579-1657). После прошлогодней масштабной выставки этого художника в Эрмитаже теперь нахожу его полота быстро.



Почему-то это полотно "Кухонный стол с дичью и овощами" музейный сайт не удостоил своим вниманием, но судя по этикетке, автоматический перевод текста к ней с французского перечисляет представленные на картине продукты и пишет о высоком статусе владельца, так как охота является занятием для привилегированной части общества.

И наконец, картина, которая мне очень понравилась, но именно к ней я не сняла этикетку, и о ней нет ни слова на сайте музея!! А так знаком ее сюжет и даже образы.



Но по картинке через гугл все удалось установить. Это картина — «Сводня» (L'Entremetteuse), написанная голландским художником Яном ван Бейлертом (Jan van Bijlert) около 1625–1630 годов.


Автор: Ян ван Бейлерт (1597–1671) был известным живописцем утрехтской школы, который находился под влиянием итальянского караваджизма.

Сюжет: Картина изображает жанровую сцену, в которой пожилая женщина (сводня) принимает деньги от пары, возможно, занимаясь посредничеством.

Стиль. Работа является примером барочной жанровой живописи, характерной для Золотого века голландской живописи.

В следующем зале продолжается живопись 17 века, большей частью голландских мастеров.








Бартоломеус ван дер Хелст, устаревшее: Гельст (нид. Bartholomeus van der Helst; ок. 1613, Харлем — 16 декабря 1670, Амстердам) — голландский живописец, рисовальщик и гравёр. В основном писал индивидуальные портреты, а также групповые портреты регентов и голландских ополченцев.

Википедия пишет: В течение 1640-х годов художник стал ведущим портретистом Амстердама и затмил даже Рембрандта. Проработанные в деталях, утончённые портреты Хелста, которые к тому же слегка приукрашивали портретируемых, нравились публике больше, чем поздние работы Рембрандта, становившиеся всё более серьёзными, отмеченными глубоким самоанализом. При этом Хелст относился к числу тех живописцев, которые умели угождать требованиям высокопоставленных заказчиков, оставаясь на позициях истинного искусства. Его живописная техника была отточенной...Но в целом творчеству Хелста не хватало рембрандтовской глубины и значительности образов. Именно это не позволило его произведениям стать рядом с портретами Рембрандта и Халса

но ни эта картина, не следующая за ней, снятая мной, не удостоились чести попасть в описание на сайте Лионского музея.




А об этом художнике молчит и Википедия

Продолжаю про полотна 17 века.






Портрет женщины

Михель Янш Ван Миревельд [Делфт, 1567 г. - Делфт, 1641 г.]
Дата работы
1625

Сайт музея пишет об этой картине:
Изысканная тонкость световых эффектов, заставляющих мерцать атлас юбки и перья веера, а также тонкие нюансы серого фона, поистине замечательны. Художник с большим мастерством передает складки и ажурность внушительного кружевного воротника, скульптурные складки плаща и отражения на серо-зеленом парчовом лифе. Диадема, обвивающая ее каштановые волосы, массивная цепочка, золотая застежка, жемчужные браслеты и кольца с кабошонами — все это свидетельствует о богатстве молодой женщины. Расположенная традиционно справа, согласно геральдическим условностям, эта женщина, личность которой остается неизвестной, несомненно, изображалась в паре с портретом своего мужа.

Художник из Утрехта, Миревельд, обслуживал представителей высшего среднего класса и знати, для которых он разработал стереотипный тип изображения (вид в три четверти, обрезанный по коленям, на темном фоне). Будучи чрезвычайно плодовитым портретистом, он часто оставлял проработку телесных тонов себе, предоставляя остальную часть композиции своим ученикам.


Это Абрахам ван дер Эйк, но о нем ни сайт музея, ни Википедия почему-то ничего не пишут.






Как и об этом художнике
Геррит Адрианс Беркхейде , (1638-1698)
Большая рыночная площадь в Харлеме, вид на церковь Святого Бавона, 1673





Далее идут более известные персоны.




Себастьян Вранкс (нид. Sebastian Vrancx; род. 22 января 1573 года, Антверпен; † 19 мая 1647 года, там же) — фламандский живописец и гравер эпохи барокко.

Основным направлением в творчестве Себастьяна Вранкса было изображение батальных, библейских и аллегорических сцен, а также жанровых зарисовок. Его полотна были в коллекции Питера Пауля Рубенса. Он неоднократно помогал Яну Брейгелю Старшему и выступал в качестве соавтора отдельных работ живописца. В его работах ощущается влияние современной ему итальянской живописи и работ Питера Брейгеля Старшего.

И здесь я сделала огромную ошибку. 4 картины висели рядом и у меня предательски дрогнула рука, когда я попыталась их сфотографировать. В кадр попали только 2, да и то неполностью. И когда я сейчас прошерстила картины 17 века, то нашла 2 из них. И представьте, что это...

Огонь
Информация о художнике
Ян Брейгель Старший, известный как Бархатный Брейгель [Брюссель, 1568 — Антверпен, 1625]
Дата работы
1606
Музей изящных искусств в Лионе имеет честь обладать полным комплектом из четырех картин, созданных Яном Брейгелем Старшим в период с 1606 по 1611 год при участии Хендрика ван Балена, художника, написавшего аллегорические фигуры, вокруг которых построены эти композиции. Принадлежащие к престижным австрийским коллекциям XVII и XVIII веков, четыре картины, составляющие серию, были отправлены в Лион имперским правительством в 1811 году.

Здесь изобилуют самые разнообразные виды и разновидности, описанные с такой же игривостью, как и тщательностью. Эти аллегорические композиции сочетают древнюю космологию с почти энциклопедическим перечнем природных ресурсов, за исключением Огня , поскольку элементы доспехов и металлической посуды представляют этот элемент.

В центре Венера предстает в кузнице своего мужа Вулкана, прося у него оружие для своего сына Энея (Вергилий, «Энеида» , ). На заднем плане кузнецы заняты работой в своих кузницах на наковальнях. Это возможность для Яна Брейгеля продемонстрировать свой талант миниатюриста в изображении металлических предметов: фрагментов доспехов, оружия, ваз, украшений, чаш, блюд и котлов. Изобретательность художника кажется безграничной, а точность в передаче деталей сочетается с тщательным наблюдением за металлическими отражениями. Предметы сложены в высокие стопки, создавая впечатление изобилия. На заднем плане изображен длинный разрушенный коридор, обрушившийся свод которого открывает верхний уровень. Заросший растительностью, он напоминает сводчатый проход на Палатинском холме, который художник, возможно, зарисовал во время своего пребывания в Риме. Иллюстрируя тему огня, картина выполнена в оттенках оранжево-коричневого цвета, смягченных нежными гармониями синего и зеленого.

Эта серия картин, завершение которой, судя по датам на трех полотнах, заняло около шести лет, неоднократно возобновлялась художником начиная с 1604 года с некоторыми изменениями.

Еще три картины "Земля", "Вода", "Воздух" этого художника из данного цикла можно посмотреть по ссылке
https://www.mba-lyon.fr/sites/mba/files ... terre.html

Но на моем фото есть вот эта картина "Вода", которую я все же оказывается зафиксировала.


Следующее полотно




Давид Тенирс Младший (1610-1690)
Алхимик

И не могу пройти мимо окна с таким видом, который мне снова напоминает, что времени до закрытия музея осталось совсем мало.

Несмотря на обиду, отчет все же надо закончить, а в процессе попытаться разобраться, что именно я там успела увидеть набегу.

В следующем зале представлены большеформатные полотна. По нескольким у меня нет этикеток




К этой картине с узнаваемыми деталями этикетка есть, имя художника всем известно




Но на сайте ни об этой картине, ни о ее авторе я не нашла ни слова.

И снова неизвестные картины




зато по следующим двум есть информация на сайте музея


Воскресение Христа

Шарль Ле Брюн [Париж, 1619 г. - Париж, 1690 г.]
Дата работы
1674 - 1676

Шарль Ле Брюн создал картину «Воскресение Христа» по просьбе Гильдии торговцев тканями для главного алтаря храма Гроба Господня в Париже. Людовик XIV финансировал украшение часовни этих же торговцев в том же храме в рамках погашения крупного займа, предоставленного ему этой гильдией в преддверии кампании, в которой он только что одержал победу над испанцами во Франш-Конте.

Отсюда и параллель между славой Христа с атлетическим телом, торжествующего над смертью, символизируемой плащаницей, разделяющей композицию на два регистра, и Людовиком XIV, изображенным военачальником в доспехах, держащим шлем с красным плюмажем, выделяющимся в центре композиции. Между Христом и Людовиком XIV художник включил в картину святого Людовика, квинтэссенцию монархии по божественному праву. Министр Людовика XIV, Кольбер, изображен в правом нижнем углу. Он указывает на вазу, ручки которой в форме змей напоминают его герб, и на ларец, наполненный золотыми монетами.

Таким образом, художнику удаётся объединить разные эпохи, соединив римских солдат из библейского повествования, средневекового короля и его современника, государя, а также его министра. На пике своей карьеры, работая над оформлением Версальского дворца, Ле Брюн также демонстрирует в этой картине свой интерес к выражению страстей.

А эта картина настолько большая - Высота 360 см; ширина 681 см., что целиком не вошла на мое фото.




Зато она есть на сайте.

Обнаружение мощей святого Жерве и святого Протея

Филипп де Шампень [Брюссель, 1602 г. - Париж, 1674 г.]
Дата работы
1657-1660

Эта картина — один из шести эскизов для гобеленов, заказанных церковными старостами церкви Сен-Жерве-Сен-Проте в Париже для украшения нефа и хора. Ширина этих огромных полотен соответствует расстоянию между двумя пилястрами, на которых предполагалось развешивать гобелены.

Была создана лишь одна серия гобеленов, из которых сохранилось всего пять панно, ныне находящихся в музее Пти-Пале в Париже. Заказ на эти эскизы был поручен Эсташу Ле Сюэру в 1651 году, но он успел выполнить только первый эскиз из серии, а также рисунки ко второму эскизу, « Биение святого Жерве» , ныне находящемуся в музее Лиона, до своей смерти в 1655 году. Затем заказ перешёл к Себастьяну Бурдону, который завершил только один эскиз, ныне находящийся в музее Арраса, «Мученичество святого Жерве» . Наконец, в 1657 году Филиппу де Шампанью было поручено написать последние три композиции: «Святые Жерве и Протеи, являющиеся святому Амвросию» и «Перенесение тел святых Жерве и Протеи», ныне находящиеся в Лувре.

Святые Гервасий и Протасий, сыновья святых Виталия и Валерии и благодетели бедных, были арестованы по приказу Нерона и приговорены к порке и обезглавливанию соответственно. Лионская картина рассказывает об эпизоде ​​обнаружения останков святых Гервасия и Протасия в 386 году после поисков, проведенных святым Амвросием, епископом Милана. Тела тех, кто отказался принести жертву идолам, эксгумируются с помощью лебедки для транспортировки в Миланский собор, где они будут похоронены. Большое количество присутствующих людей, яркие цвета, акцент на выражениях лиц и напряжение, делают сцену особенно реалистичной.

Выбор иконографической программы и её воплощение в бескомпромиссном реализме обусловлены обновлением культа святых, установленного после Тридентского собора (1543-1565).

Еще одна работа этого художника




И две картины Вуэ



Распятие

Симон Вуэ [Париж, 1590 г. - Париж, 1649 г.]
Дата работы
Примерно 1636-1637 годы

Для частной часовни в своем особняке канцлер Пьер Сегье заказал Симону Вуэ серию картин на тему жизни Христа, которую он написал вместе со своими соратниками. Сегодня известно всего пять таких картин, включая «Распятие» , « Тайную вечерю » и «Неверие святого Фомы» , которые сейчас находятся в Музее изящных искусств в Лионе. Однако гравюры свидетельствуют о наличии других декоративных элементов. «Распятие» , расположенное над главным алтарем,

У подножия креста две святые женщины и святой Иоанн приходят на помощь падающей в обморок Деве Марии, в то время как святая Мария Магдалина, одиноко стоящая слева, кажется, охвачена ужасом. Вуэ решил изобразить именно тот момент, когда Христос, склонив голову, испускает последний вздох, когда небо темнеет при ярком дневном свете. Луч света освещает совершенную анатомию Богочеловека в соответствии с классическим идеалом. Величие тела, чья белизна контрастирует с бурным фоном, подчеркивается ракурсом снизу.

У подножия креста группа окутана неземным светом, напоминающим о творчестве Вуэ в Риме, где жил Караваджо. Свет формирует фигуры, окутанные пышными драпировками, играет с яркими тонами и освещает пастельные оттенки. Вуэ передает весь спектр эмоций посредством разнообразного взаимодействия жестов и многозначительных взглядов. Эффекты изгибов и контр-изгибов раскрывают сострадание и духовную близость трех главных фигур.

И вторая картина Вуэ


А эта картина мне понравилась больше всех в этом зале.


Николя Ренье. Молодая женщина за туалетом

Мобеж (Норд), 1591 г. – Венеция (Италия), 1667 г.

примерно 1630-1635 гг.





Эта картина, с её яркими и насыщенными красками, по-видимому, была написана вскоре после прибытия Ренье в Венецию, где он оставался до своей смерти. Изображает ли она куртизанку, а точнее, раскаявшуюся Магдалину? На это, кажется, намекает натюрморт с гребнем, украшениями и вазой. Или эта деталь, призывающая к размышлению о хрупкости человеческого существования, на что могут указывать зеркало и ваза? Ренье мастерски передаёт игру света и тени, которая подчёркивает красоту женщины, тщательно уложенные волосы и роскошные ткани.

Иду дальше.


Себастьян Бурдо́н (фр. Sébastien Bourdon; 2 февраля 1616, Монпелье — 8 мая 1671, Париж) — французский живописец, рисовальщик и гравёр, представитель академического классицизма; один из первых двенадцати академиков — «старейшин» Королевской академии живописи и скульптуры в Париже (1648)



Это полотно я узнала сразу - один из любимых моих художников



Франсиско де Сурбаран (1598-1664)
Святой Франциск Ассизский

Франси́ско де Сурбара́н (исп. Francisco de Zurbarán, крещён 7 ноября 1598, Фуэнте-де-Кантос, Эстремадура — 27 августа 1664, Мадрид) — испанский живописец периода барокко, представитель севильской школы живописи. Выдающийся мастер искусства контрреформации «Золотого века испанского искусства»[7]. Франсиско де Сурбаран получил прозвание «Испанский Караваджо» из-за характерного использования светотени в своих картинах. Его сын Хуан де Сурбаран также стал живописцем.

Этот шедевр Франсиско де Сурбарана, возможно, происходит из францисканского монастыря Дескальсас Реалес в Мадриде. Вероятно, в XVII веке он был подарен монастырю «Колинетки» в Лионе королевой Марианой Австрийской Испанской. В конце XVIII века его приобрел лионский художник и гравёр Жан-Жак де Буасье, у которого, в свою очередь, в 1807 году его купил Лионский музей изящных искусств.

В атмосфере мистического благоговения, характерной для Золотого века Испании, севильский художник предлагает одно из редких изображений святого в том виде, в котором его, как предполагается, обнаружил папа Николай V в 1449 году в склепе, где он был похоронен в Ассизи. Говорят, что он явился папе невредимым, стоящим и в экстазе. Видение зрителя соответствует чудесной встрече папы с останками святого, который, кажется, продолжает свой диалог с Богом, несмотря на свою смерть.

Эффект тем более поразителен, что композиция предельно проста, а цветовая палитра почти полностью ограничена охрой и коричневыми тонами. Свет и глубокие тени мощно очерчивают объемы, составляющие силуэт святого Франциска, полностью обращенного к небу. Окружение лишь обозначено аркой ниши на заднем плане и тенью, отбрасываемой телом святого на стену его гробницы и на землю, над которой он, кажется, парит.



Это тоже узнаваемый художник, но на этикетке написано, что автор лишь предполагаемый





Приписывается Хусе де Рибера.
Покаяние святого Петра

Антонио Переда (1611-1678)
Непорочное зачатие




Ну а это полотно и его создатель известны всем



Конечно, это великий Эль Греко
Le Partage de la tunique du Christ

Картина Le Partage de la tunique du Christ, написанная Эль Греко около 1579 года.
Художник, Доминикос Теотокопулос, изображает момент, когда солдаты собираются разделить одежды Христа перед его распятием на Голгофе.
Эта работа является репликой верхней части картины, созданной Эль Греко для собора Толедо.
Работа была передана музею Альфредом Белле в 1884 году.

Клавесинист (ка?)

Бернардо Каваллино [Неаполь, 1616 г. - Неаполь, 1656 г.]
Дата работы
Примерно 1645-1650 годы


Картина «Клавесинист», вероятно, была парой с картиной того же художника, изображающей певца (Неаполь, Музей Каподимонте). Художник вовлек зрителя во взгляды, которыми, казалось, обменивались два музыканта, синхронизируя свое дыхание и ритм для начала арии . Время замирает; пальцы, парящие над клавиатурой, вот-вот коснутся клавиш. Овал холста перекликается с лицом, наклоненным влево. Это вызывает ассоциации с движением яйца, готового скатиться, усиливая идею скорого действия.

Обратите внимание на восхитительную цветовую гармонию, смелое сочетание золотисто-желтого и бледно-розового. Яркий серый фон и каштановые волосы с рыжеватыми бликами подчеркивают бледный цвет лица молодой женщины, выточенный глубокими тенями. Растрепанные волосы, драпировка, небрежно наброшенная на руки, взгляд, вопрошающий и задумчивый, но освещенный полными, улыбающимися губами, характеризуют натуру, сочетающую в себе чувственность и томность.

Эта картина, датированная 1645-1650 годами, является работой Бернардо Каваллино, неаполитанского художника из движения Караваджо, отличавшегося использованием небольших форматов и склонностью к изображению камерных сцен.

Перехожу в следующий зал и ахаю от восторга - сколько великих имен!






Вознесение Пресвятой Богородицы
Информация о художнике
Гвидо Рени [Болонья, 1575 г. - Болонья, 1642 г.]
Дата работы
1637

Это изображение Вознесения Девы Марии было заказано в 1637 году Гвидо Рени архиепископом Равенны, кардиналом Луиджи Каппони, для размещения над алтарем его личной часовни в церкви Филиппини в Перудже. В 1797 году картина была конфискована там французской армией, а в 1805 году государство передало её в Лионский музей.

Рени, родом из Болоньи, учился в Академии инкамминати , основанной братьями Карраччи в его родном городе, черпая вдохновение из классической скульптуры и примеров работ Рафаэля для создания монументальных фигур с большой мягкостью выражения. Так можно восхититься элегантной позой Девы Марии, чьи волнообразные линии, с удлиненным торсом, перекликаются со складками ее плаща. Сила этой композиции во многом заключается в ее простоте: фигура Девы Марии занимает почти все живописное пространство. С глазами, обращенными к небу, Матерь Христа поднимает руки в жесте, который одновременно является молитвой и заступничеством.

Художник неоднократно обращался к теме Вознесения Девы Марии на протяжении своей карьеры, в период расцвета почитания Девы Марии в контексте Контрреформации. Когда он создал нынешнюю версию в Лионе, текстура его картин была одновременно легкой и прозрачной, золотистый свет нежно ласкал формы, созданные с помощью тонко нюансированных цветов.

Еще большая радость - 2 картина моего наилюбимейшего Тинторетто!



Информация с сайта музея
Богоматерь с младенцем, а также святые Екатерина, Августин, Марк и Иоанн Креститель
Информация о художнике
Тинторетто (Якопо Робусти, известный как Тинторетто) [Венеция, 1518 г. - Венеция, 1594 г.]
Дата работы
Примерно 1545-1550 годы

Младенец Христос протягивает правую руку, чтобы благословить святую Екатерину, которая стоит перед ним на коленях. Вокруг неё собираются три святых: Иоанн Креститель в тунике из верблюжьей шерсти; Марк со своим атрибутом — львом; и Августин, епископ. Странно, но святая Екатерина одета в золотую мантию дожей Венеции с большими пуговицами. Рентгеновский снимок выявил наличие рога — герцогской шапки дожей — под её лицом. Таким образом, было высказано предположение, что Тинторетто воспользовался отсутствием Тициана в Венеции, чтобы попытаться получить официальный заказ от города: считается, что незадолго до избрания Тициана в 1545 году он написал портрет дожа Франческо Доны у ног Девы Марии. Потерпев неудачу, он, предположительно, превратил эту фигуру в святую Екатерину и придал её костюму женственный вид с помощью лёгкого шарфа.

Монументальность фигур, выразительность поз, баланс между натурализмом и идеализацией обновляют традиционный жанр сакральной беседы.

Опасаясь новых неточностей автоматического перевода, решила его сюда не ставить, а сайт музея не включил эту картину в число избранных для подробного описания.

Зато не оставил своим внимание полотно Веронезе, висящее в этом же зале.




Вирсавия (?) в купальне
Информация о художнике
Веронезе (Паоло Калиари, ) [Верона, 1528 — Венеция, 1588]
Дата свободной работы
Примерно в 1575 году

Эта работа Веронезе принадлежала коллекции Людовика XIV, который конфисковал её во время ареста Николя Фуке в 1661 году.

Сюжет взят из Ветхого Завета. Он повествует о царе Давиде, который влюбился в Вирсавию, увидев её купающейся обнажённой. Давид принудил Вирсавию к прелюбодеянию и послал её мужа Урию на войну, которая стоила ему жизни. Поэтому можно предположить, что на картине Веронезе к молодой женщине подходит посланник Давида, чтобы пригласить её присоединиться к царю. Силуэт царя можно различить на заднем плане, возле колоннады, окружающей сад.

Однако преклонный возраст посланника заставил некоторых авторов усомниться в том, что это действительно Вирсавия: может быть, это одно из многочисленных изображений Сусанны и старцев у Веронезе, даже если изображен только один из двух старцев?

В любом случае, герб знатной венецианской семьи, прикрепленный к кувшину на краю чаши, а также характерная для мужчины накидка с большими позолоченными пуговицами, типичными для одежды дожа, указывают на то, что картина была заказана к свадьбе. Помимо сюжета и обстоятельств заказа, главный интерес этой работы заключается в исключительной технике работы с тонами, как мягкими, так и глубокими.

Для сравнения фото с сайта музея


В этом же зале еще несколько картин, которые я сфотографировала, но к сожалению без этикеток к ним.


Искусственный интеллект гугла опознал ее и описал так:

Это картина «Смерть Лукреции» итальянского художника эпохи барокко Гвидо Каньяччи, созданная около 1657 года.

Картина написана маслом на холсте и в настоящее время хранится в Музее изящных искусств Лиона.

На полотне изображена героиня римской истории, которая готовится вонзить кинжал в свою грудь, будучи обнаженной, за исключением голубого покрывала на голове. Работа известна своим драматическим использованием света и тени, что характерно для стиля барокко

Запомнилось и вот это полотно без этикетки и описания на сайте.



Гугл через поиск по изображению утверждает, что

Эта картина называется «Иаков благословляет сыновей Иосифа» (Jacob blessing the children of Joseph) и написана итальянским художником эпохи барокко Антонио Дзанки.
Произведение датируется XVII веком. Картина выполнена маслом на холсте.

На другой стороне этого зала не менее значимые полотна.



Но крупным планом я успела снять только одно полотно.



ИИ утверждает:

Эта картина называется «Святое семейство» , написана итальянским художником эпохи Возрождения Лоренцо Костой около 1490 года.

Итак,
Автор: Лоренцо Коста (Lorenzo Costa).
Дата создания: Приблизительно 1490 год.
Местонахождение: Картина хранится в Музее изящных искусств Лиона (Musée des Beaux-Arts de Lyon).
Размеры: 82×62 см

Википедия более многословна:

Лоре́нцо Ко́ста (итал. Lorenzo Costa; 1460, Феррара — 5 марта 1535, Мантуя), иначе Лоре́нцо Ко́ста ди Отта́вио Ста́рший (il Vecchio) — итальянский живописец, представитель феррарской и мантуанской школ живописи эпохи итальянского Возрождения.

Согласно «Жизнеописаниям», составленным Джорджо Вазари, Лоренцо Коста Старший был учеником Козимо Туры в Ферраре. он уехал жить во Флоренцию, где изучал творчество флорентийских художников: там он стал учеником Беноццо Гоццоли.

Переселившись в 1483 году в Болонью, Лоренцо Коста расписал знаменитый алтарь Бентивольо и создал другие фрески на стенах Капеллы Бентивольо в церкви Сан-Джакомо-Маджоре.

В 1506 году по приглашению мантуанской маркизы Изабеллы д’Эсте, покровительницы художников, Лоренцо Коста переехал в Мантую и стал придворным живописцем её супруга маркиза Франческо II Гонзага.

Лучшие из его произведений находятся в парижском Лувре, в Болонской пинакотеке, в церкви Сан-Петронио в Болонье и в Берлинской картинной галерее. «Женский портрет» Лоренцо Косты имеется в Санкт-Петербургском Эрмитаже.

А сайт музея все же уделил внимание этому полотну.

Итак,
Автор: Лоренцо Коста (Lorenzo Costa).
Дата создания: Приблизительно 1490 год.
Местонахождение: Картина хранится в Музее изящных искусств Лиона (Musée des Beaux-Arts de Lyon).
Размеры: 82×62 см

Описывает ее и сайт музея:
Рождество
Информация о художнике
Лоренцо Коста [Феррара, ок. 1460 – Мантуя, 1535]
Дата работы
Примерно в 1490 году

Небольшой размер этой работы предполагает, что она предназначалась для личного пользования. Святой Иосиф и Дева Мария, молясь, поклоняются Младенцу Иисусу в Вифлеемском хлеву, где только что родился тот, кого суждено было принестися в жертву. Нежное тело Младенца покоится на белом полотне, расстеленном на ложе из сплетенных ветвей — необычные элементы, которые, кажется, предвосхищают плащаницу и терновый венец Христа во времена Страстей Христовых. Меланхоличное выражение лица Младенца и атмосфера глубокого созерцания, характерные для этой сцены поклонения, подтверждают эту интерпретацию.

Черты лица Марии и Иосифа, замысловатый узор многочисленных складок на их одеждах и поразительные контрасты света и тени указывают на то, что Лоренцо Коста был учеником Эрколе де Роберти из Феррары, который, как и он, работал в Болонье. Фантастический характер пейзажа с его морским портом, занимающим необычное видное место в центре композиции, также напоминает о неугомонном и изобретательном духе феррарской живописи XV века. Изысканность этой работы, с ее тонким использованием цвета и деликатными линиями, тем не менее, сочетается с чувством гармонии, которое исходит от этой сбалансированной композиции.

Википедия сообщает об авторе этой картины:

Лоре́нцо Ко́ста (итал. Lorenzo Costa; 1460, Феррара — 5 марта 1535, Мантуя), иначе Лоре́нцо Ко́ста ди Отта́вио Ста́рший (il Vecchio) — итальянский живописец, представитель феррарской и мантуанской школ живописи эпохи итальянского Возрождения.

Согласно «Жизнеописаниям», составленным Джорджо Вазари, Лоренцо Коста Старший был учеником Козимо Туры в Ферраре. он уехал жить во Флоренцию, где изучал творчество флорентийских художников: там он стал учеником Беноццо Гоццоли.

Переселившись в 1483 году в Болонью, Лоренцо Коста расписал знаменитый алтарь Бентивольо и создал другие фрески на стенах Капеллы Бентивольо в церкви Сан-Джакомо-Маджоре.

В 1506 году по приглашению мантуанской маркизы Изабеллы д’Эсте, покровительницы художников, Лоренцо Коста переехал в Мантую и стал придворным живописцем её супруга маркиза Франческо II Гонзага.

Лучшие из его произведений находятся в парижском Лувре, в Болонской пинакотеке, в церкви Сан-Петронио в Болонье и в Берлинской картинной галерее. «Женский портрет» Лоренцо Косты имеется в Санкт-Петербургском Эрмитаже.

А в этом зале и вовсе шедевр на шедевре...


Крупным планом сняла 2 из них:


Я не сфотографировала этикетку, а ИИ краток:
Картина называется «Святая Екатерина Александрийская и святой евангелист», написанная Филиппо Липпи в XV веке.
Она представляет собой правую панель полиптиха, который был демонтирован.

Работа выполнена темперой по дереву и сейчас хранится в Музее изящных искусств Лиона.


На этой картине изображена «Мадонна с Младенцем» работы Франческо Песеллино, итальянского художника эпохи Раннего Возрождения.

Автор: Франческо Песеллино (ок. 1422–1457).
Дата создания: Приблизительно 1450–1457 годы.
Техника: Темпера на деревянной панели.
Местонахождение: Музей изящных искусств Лиона (Франция)


А от этих двух картин я не могла оторвать взгляд. Как же здорово они написаны!





Это картина «Мадонна с младенцем» итальянского художника эпохи Возрождения Бартоломео Монтанья.Произведение искусства обычно датируется периодом между 1480 и 1490 годами.Картина написана маслом на деревянной панели.Оригинал этой картины в настоящее время находится в коллекции Музея изящных искусств Лиона (Musée des Beaux-Arts de Lyon) во Франции.

...отличается красновато-коричневым колоритом. На ней прекрасная Мадонна и грустный Младенец освещены лучами заходящего солнца...



Эта картина называется «Три ангела-музыканта» и написана итальянским художником эпохи Возрождения Бартоломео Монтанья.
Автор: Бартоломео Монтанья (1450–1523).

Сюжет: Три ангела изображены играющими на музыкальных инструментах, вероятно, являясь частью более крупной композиции, такой как панель кассоне.Местонахождение: Оригинал картины находится в Музее изящных искусств

Бартоломео ( или Бартоломео ) Монтанья ( Великобритания : / mɒnˈtɑːnjə / , [ 1 ] США : / mənˈ- / , [ 2 ] итальянское : [ bartolo(m) ˈmɛːomonˈtaɲɲa] ; 1450? – 11 октября 1523) — итальянский художник эпохи Возрождения , работавший преимущественно в Виченце . Он также создавал работы в Венеции , Вероне и Падуе . Он наиболее известен своими многочисленными изображениями Мадонны , а его работы славятся мягкими фигурами и изображением эксцентричной мраморной архитектуры . Считается, что на него оказал сильное влияние Джованни Беллини , в мастерской которого он, возможно, работал около 1470 года.

Он родился под именем Бартоломео Чинкани, а позже сменил имя на Бартоломео Монтанья. Большую часть своей жизни до самой смерти он жил в Виченце, в доме, который он купил в 1484 году прямо напротив церкви Сан-Лоренцо. С 1469 по 1475 год Монтанья находился в Венеции, прежде чем вернуться в Виченцу и начать свою карьеру художника. В 1509 году он переехал из Виченцы в Падую, вероятно, из-за войны в Виченце, и оставался там до 1514 года.

Подробно Bartolomeo Montagna


На этой картине изображена Дева Мария с младенцем Иисусом на троне, окруженная четырьмя ангелами, работа итальянского художника Луиджи де Донати. Произведение датируется примерно 1510 годом

И далее три портрета.





ИИ утверждает:
Это произведение искусства — портрет работы немецкого художника Бартоломеуса Брейна Старшего, датируемый XVI веком.
Автор: Бартоломеус Брейн Старший (1493–1555), видный портретист кёльнской школы.

Стиль: Северное Возрождение, характеризующееся тщательной детализацией лиц и рук.

Сюжет: На картине изображен мужчина в темном наряде с меховым воротником и черной шапочке.

Немецкий художник нидерландского происхождения Бартоломеус Брейн Старший родился в 1493 году и умер в 1555 году(1) в Кельне. Он обучался ремеслу художника одновременно с Йосом ван Клеве у Яна Йоста, а затем работал в Везеле, Калькаре и Вердене до того, как переселился в Кельн. Между 1515 и 1520 годами Брейн женился на девушке по имени
Агнес, с которой у него было пять детей.

Брейн приобрел известность в качестве алтарного живописца и портретиста. Примером могут служить иконы главного алтаря Ксантенского собора, исполненные Брейном в 1534 году.






На этом изображении представлен «Портрет Гийома де Монморанси», написанный анонимным французским художником около 1520 года.

Картина находится в коллекции Музея изящных искусств Лиона (Musée des Beaux-Arts de Lyon).

На портрете изображен французский дворянин и политик Гийом де Монморанси (1454–1531), одетый в темную одежду с меховым воротником и золотую цепь ордена Святого Михаила.

Размеры оригинальной работы составляют 37,5 × 23 см

И, наконец, мое Ах!





Сайт музкя сообщает:

Портрет саксонской дворянки

Лукас Кранах, известный как Старший [Кранах, 1472 г. - Веймар, 1553 г.]
Дата работы
1534

В отличие от своего сына Лукаса Кранаха Младшего, который также был художником, Лукас Кранах Старший занимал должность официального художника при саксонском дворе в первой половине XVI века. Там он писал портреты сменявших друг друга саксонских курфюрстов этого периода, а также гуманистов, таких как Мартин Лютер, с которым он завязал тесную дружбу.

Несмотря на букву «W», украшающую повязку на лбу этой знатной дамы, и медальон с портретом Иоганна Фридриха Мудрого, курфюрста Саксонии, личность изображенной на портрете женщины остается неизвестной. В лучшем случае можно предположить, что это свадебный портрет, судя по массивным золотым цепям на ней и богатому парчовому платью с рукавами, отделанными черными разрезами по подолу.

Сведенная к трем оттенкам — золотому, черному и белому — эта контрастная цветовая гамма одежды резко выделяется на простом светло-голубом фоне. Декоративный аспект, кажется, преобладает над индивидуализацией черт модели, которые очень напоминают те, что Лукас Кранах приписывал многочисленным Венерам и Лукрециям, написанным им на протяжении всей карьеры.

Сейчас вот дошла до такого экспоната, и снова у меня фото без этикетки. Больше часа выясняю по изображению, что на нем и кто художник, о котором почему-то очень коротко даже в иностранной Викимедии, а в нашей вообще ни слова. А ведь это 15 век и сайт музея тоже молчит. Хотя возможно есть сведения в его онлайн коллекции, но у меня не открывается эта ссылка
https://collections.mba-lyon.fr/en/


Зато ИИ опознал:
На изображении представлена картина «Три пророка» (ок. 1480 г.), созданная Антуаном де Лонги.
Произведение выполнено темперой по дереву и в настоящее время хранится в Музее изящных искусств Лиона.
Картина демонстрирует утонченный стиль эпохи Возрождения с использованием золотого фона и детализированных одеяний персонажей.


Антуан де Лони ( ок. 1446–1490 гг.) был художником, иллюстратором и дизайнером витражей .

Он получил образование в Бургундии , где также активно занимался живописью, прежде чем переехать в Тулузу , Барселону , а затем в Савойю . Он оформил часослов «Салюсес» , который в настоящее время хранится в Британской библиотеке . В Барселоне он разработал алтарную картину и витраж-розу для церкви Санта-Мария-дель-Мар

Еще больше заинтересовало вот это полотно, кажущееся смутно знакомым, но хотя к нему я все же и этикетку сняла, большой ясности это не внесло. Где и когда я могла его видеть?






Удалось сделать перевод автоматический его этикетки: Мастер Благочестия Сен-Жермен-(оф-Пристс) де Пре

Творчество велось в Кёльне (Германия) и Париже примерно в 1500-1505 годах.

Христос, несущий крест

Дерево, масло

Государственный перевод денежных средств, 1803 г. Инв. H651

ИИ трактует так:
Эта картина называется «Христос, несущий крест» (Le Christ montant au calvaire) и датируется примерно 1505 годом.
Автором является анонимный художник, известный как Мастер Сен-Жермен-де-Пре.
Работа выполнена маслом на деревянной панели и в настоящее время хранится в Музее изящных искусств Лиона во Франции.

И еще один экспонат.




Тут автоматический перевод этикетки и гугл почти едины:
Жаклен де Монлюсон

Монлюсон (Алье), 1463 г. - Бурж (Шер), 1505 г.

1496–1497

Благовещение

Масло на ореховом древе. Приобретено в 1907 году. Инв. B 805.

Это картина «Благовещение», созданная французским художником Жакленом де Монлюсоном между 1496 и 1497 годами.
Произведение выполнено маслом на панели и изображает сцену Благовещения с ангелом Гавриилом и Девой Марией.
В настоящее время картина находится в коллекции Музея изящных искусств в Лионе, Франция.

И это снова ХV век!!

Очень понравились несколько картин на религиозне сюжеты.


Мои, сделанные на ходу, снимки не передают всей красоты деталей и тонкостей красок и поэтому буду ставить рядом фото из интернета с сайта
https://lilac2012.livejournal.com/689656.html?es=1

А вот подробностей про автора я почти не нашла в интернете, даже в обеих Википедиях их нет. Пытаюсь наладить поиск по изображению через гугл:

Это картина «Въезд в Иерусалим», созданная около 1500 года Мастером монограммы AH.
Произведение искусства хранится в Музее изящных искусств Лиона.
Картина выполнена в стиле немецкой или нидерландской школы живописи.


Автор: Мастер монограммы AH (работал в Южных Нидерландах).
Сюжет: Библейская сцена Вербного воскресенья, где жители Иерусалима приветствуют Иисуса, расстилая одежды и машут ветвями.

Следующая картина:

Это произведение — «Крещение Христа» (около 1500 г.) работы фламандского художника, известного как Мастер монограммы А.Н..Картина написана маслом на холсте и в настоящее время хранится в Музее изящных искусств Лиона во Франции.На полотне изображена сцена крещения Иисуса Иоанном Крестителем, с ангелами слева и пейзажем с замком на фоне.
Для сравнения:


Дальше снимаю сразу три картины


Первая

Название и художник: Эта картина называется «Сретение Господне» (Presentation at the Temple) и написана нидерландским художником, известным как Мастер монограммы А.Н..
Дата создания: Произведение датируется примерно 1500 годом.
Местонахождение: Оригинал картины хранится в Музее изящных искусств Лиона (Musée des Beaux-Arts de Lyon) во Франции.
Сюжет: Картина изображает библейскую сцену принесения младенца Иисуса в Иерусалимский храм.




В середине

Эта картина называется «Поклонение волхвов».
Автор: Ее автором является южнонидерландский художник, известный как Мастер монограммы А. Н..
Создание: Работа была создана примерно в 1500 году.
Местонахождение: В настоящее время картина хранится в Музее изящных искусств Лиона во Франции

И наконец,

Эта картина представляет собой «Рождество» (La Nativité), созданную около 1500 года нидерландским художником, известным как Монограммист AH.Автор: Монограммист AH, работавший в Южных Нидерландах.Сюжет: Произведение изображает библейскую сцену Рождества Христова, включая Младенца Христа и поклонение ангелов.

Перехожу к полотнам других авторов



Эта картина называется «Смерть Девы Марии» и написана испанским художником, известным как Мастер Санта-Клара-де-Паленсия, в конце XV века.
Произведение изображает сцену Успения Богородицы в окружении апостолов и ангелов.
В настоящее время полотно хранится в Музее изящных искусств в Лионе, Франция



Картина называется «Воскрешение Лазаря» (Resurrection of Lazarus) и написана французским художником Жакленом де Монлюсоном около 1496–1497 годов. Произведение выполнено маслом на деревянной панели и имеет размеры приблизительно 111 x 112 см.



Эта картина называется «Коронация Девы Марии» и приписывается Мастеру Санта-Клары из Паленсии.Произведение датируется концом XV века и выполнено в стиле испанской готики.



Эту этикетку сняла плохо и гугл ее не может перевести.


Сама картина и по изображению ИИ о ней пишет:


Эта картина называется «Святая Екатерина Александрийская» и приписывается французскому художнику Клоду Гине.Произведение датируется 1507 годом, о чем свидетельствует надпись «ANNO DNI MIÑO CCCCC VII»

Еще три картины этого зала.


Остаются последние 5 минут в этом музее - лестница и неожиданно с нее вход в залы импрессионистов.

На минуту притормозила на лестнице, чтобы сфотографировать красивые изображения на стенах.






К счастью, сейчас нашла описание центральной фрески на сайте музея.


Священная роща, дорогая сердцу искусств и муз.
Информация о художнике
Пьер Пюви де Шаванн [Лион, 1824 г. - Париж, 1898 г.]
Дата работы
1884

В начале 1880-х годов город Лион поручил Пьеру Пюви де Шаванну украсить недавно созданную монументальную лестницу в юго-восточном углу музея. Четыре композиции, написанные на холсте в мастерской, а затем закрепленные на своем окончательном месте, образуют один из самых красивых декоративных ансамблей, созданных художником, и одно из знаковых произведений конца XIX века.

Как всегда у Пюви де Шаванна, общий смысл произведения тщательно продуман. В центре, в сумеречной атмосфере Священной рощи , девять муз медитируют и беседуют, лежа, сидя, стоя или паря в безмятежном вечернем свете. Перед фрагментом древнего портика стоят три фигуры: Архитектуры, Скульптуры и Живописи. Священная роща — это вневременное и идеальное место для искусства.

Композиция слева, «Древнее видение» , представляет собой сияющее видение идеализированной ранней Греции. Композиция справа, «Христианское вдохновение» , противопоставляет неторопливое спокойствие языческой античности творческой деятельности художника в итальянском монастыре в конце Средневековья или начале эпохи Возрождения. «Древнее видение» и «Христианское вдохновение» представляют собой два проявления, в которых воплощалось искусство: с одной стороны, жизнь и природа в мифический золотой век языческой античности; с другой стороны, произведения, рожденные из творческого акта человечества и его религиозного чувства, начиная с христианской эры.

Из Википедии:
Пьер Пюви де Шаванн родился в Лионе, в старинной бургундской семье, предком которой был Мишель Пюви (1620—1694), виноградарь, буржуа из Кьюзо (Сона и Луара). Фамилия сохранила название родной местности «Шаванн» (Chavanne).

Учился в Лионском коллеже и в парижском Лицее Генриха IV. В Париже он жил на авеню де Вилье с румынской принцессой Марией Кантакузеной, с которой он познакомился в 1856 году в студии живописца Теодора Шассерио, с которым она дружила. Они поженились сорок два года спустя, в 1898 году, за несколько месяцев до смерти Пьера. Она оказала на него значительное влияние, став его спутницей, соратницей, любимой моделью и музой.

Художник скончался 24 октября 1898 года, через три месяца после смерти жены Мари Кантакузены в своем доме в 17-м округе Парижа на авеню де Вилье, 89. После смерти он был похоронен на старом кладбище Нёйи-сюр-Сен, позднее, в 2018 году его останки перенесли на кладбище Шампанья, Сона и Луара, колыбели семьи Шаванн

Интересные акценты в его творчестве:
Наибольшее влияние на формирование индивидуального стиля и живописной манеры Пюви де Шаванна оказали фрески мастеров раннего итальянского Возрождения (произведения которых он изучал во время своего пребывания в Италии) и творчество Ж. О. Д. Энгра... Как правило композиции Пюви де Шаванна — это не фрески, а монументальные картины, написанные маслом на холсте и затем укреплённые на стенах жилых, общественных и церковных интерьеров

Пюви де Шаванн выработал оригинальный стиль, близкий неоклассицизму, с обобщёнными, слегка уплощёнными объёмами, чёткими контурами и приглушёнными красками, напоминающими фрески художников итальянского проторенессанса и кватроченто. Сам художник стремился к «естественной простоте Джотто и Мазаччо… и, подобно фрескам раннего Ренессанса, его панно, выполненные масляными красками с их серовато-жемчужным, мглистым колоритом, казались естественным продолжением стены»

Из его монументальных работ лучшими считаются картины в парижском Пантеоне, изображающие сцены из жизни святой Женевьевы (1874—1877). Они написаны в характерных для художника бледных тонах, даже кажутся специально выбеленными под фрески, представлены в орнаментированных рамах, и замечательно гармонируют с белой окраской стен архитектуры Жак-Жермена Суффло...

В 1897 году В. Э. Борисов-Мусатов, покорённый искусством Пюви де Шаванна, пытался поступить к нему в ученики, но опоздал. Художник закрыл своё ателье[16]. Своим вторым учителем (после А. И. Куинджи) Пюви де Шаванна называл Н. К. Рерих, ознакомившийся с его творчеством во время поездки в Париж в 1900 году

В. Э. Борисов-Мусатов... Вот почему колористика мне показалась такой знакомой. Но это сейчас, а тогда размышлять было некогда- оставалось всего несколько минут, чтобы, увидев сквозь еще одну дверь вход в другой зал, спешно отправиться туда.

Увидела в прежних сообщениях, что работ Пьера Пюви де Шаванна 4, а на лестнице 3 и подумала, что четвертая должна быть в залах. И нашла




Этикетку не сняла, но в интернете нашла по изображению.
Эта картина — «Осень» французского художника-символиста Пьера Пюви де Шаванна.

Автор: Пьер Пюви де Шаванн, известный своей монументальной живописью.
Стиль: Символизм с влиянием античности.
Тема: Аллегорическое изображение осени с человеческими фигурами в пейзаже.

Порадовалась, что я угадала по стилю.

А сейчас нашла описание на сайте.

Две молодые женщины собирают виноград под взглядом пожилой женщины в синем платье. Этот цвет обычно выбирается Пюви де Шаванном для его зрелых фигур; здесь, в соответствии с темой произведения, он символизирует идею осени жизни, проводя параллель между циклом времен года и циклом веков человека.

Это аллегорическое изображение, возможно, первоначально было частью проекта цикла из четырех картин, каждая из которых представляла одно из времен года, предназначенных для оформления музея в Амьене. Однако это единственная завершенная работа. Приобретенная государством в том же году, когда она была создана, сейчас она хранится в музее Лиона.

Четкие линии этой безмятежной композиции отражают эстетические предпочтения художника, отдающие предпочтение идее вневременной гармонии между человечеством и природой. Пюви де Шаванн также использует множество отсылок в позах своих фигур, вдохновленных классической скульптурой, а также произведениями эпохи Возрождения. Слегка резкие цвета, особенно розовый и желтый цвета драпировки двух молодых женщин, напоминают некоторые маньеристские декорации , такие как те, что были созданы Россо и Приматиччо в замке Фонтенбло. Художник успешно использует все эти модели, переводя их в собственный стиль, оформленный в декоративной манере, напоминающей фреску.

А вот уже и знакомые импрессионисты, но на осмотр всего 5 (!) остающихся до закрытия музея минут!

Danseuses sur la scène
Информация о художнике
Эдгар Дега [Париж, 1834 — Париж, 1917]
Дата свободной работы
Примерно в 1889 году

Масло, холст.
Высота 75,6 см; ширина 81,9 см.
Дар Жаклин Делюбак в 1997 году.



Мир танца завораживал Эдгара Дега и являлся одной из главных тем всего его творчества, выраженных в живописи, пастели, рисунках, монотипиях и скульптурах. Больше, чем эстетика, его привлекает движение. На картине изображены пять танцовщиц на сцене во время репетиции в разных позах. Две готовятся начать выступление, остальные разминаются. Все обращены к балетмейстеру, который контролирует детали представления, но здесь его образ лишь обозначен простым силуэтом на заднем плане.

Основной мотив смещен от центра и обрезан правым краем картины — прием, предпочитаемый художником, вдохновленным японскими гравюрами и, возможно, фотографической практикой. Фон напоминает пейзажи, созданные художником в тот же период. Этот прием, кажется, сочетает цвета в наложенных друг на друга слоях, создавая почти меловую текстуру, напоминающую пастель — материал, которому художник все больше посвящал себя в это время. Таким образом, он отходит от изображения реальности. Детализация постепенно исчезает на протяжении всей его карьеры, уступая место самой сути жеста и формы, что является конечной целью его подхода, в то время как его палитра исследует все более интенсивные и яркие оттенки.

Иле́р-Жерме́н-Эдга́р де Га или Эдга́р Дега́ (фр. Edgar Degas; 19 июля 1834, Париж — 27 сентября 1917) — французский живописец, один из виднейших представителей импрессионистского движения.


Родился 19 июля 1834 года в Париже, в обеспеченной семье буржуазного происхождения Огюста де Га и Селестины Мюссон. Он был старшим из пятерых детей. В возрасте 13 лет Эдгар потерял мать, что стало для него серьёзнейшим ударом. Позже, в молодости, под влиянием новых социальных идей Эдгар изменил свою фамилию с де Га на «менее аристократическую» Дега.

Желание рисовать начало проявляться у Дега уже в детстве. Впрочем, отец ему пророчил карьеру юриста, однако у Эдгара не было большого желания и способностей к юриспруденции, а обеспеченность семьи позволяла ему заниматься живописью, не особо заботясь о пропитании.

Эдгар изучал творения великих мастеров живописи в Лувре, за время своей жизни несколько раз посещал Италию (где проживали его родственники по линии отца), где имел возможность знакомиться с шедеврами мастеров Итальянского Возрождения. Особый интерес у живописца вызывали такие старые итальянские мастера как Мантенья, Беллини, Гирландайо и Джотто. В этот период кумирами для него становятся Андреа Мантенья и Паоло Веронезе,

Молодой художник, желающий выставляться в Салоне, в первой половине шестидесятых годов обращается к историческим сюжетам: «Молодые спартанки, вызывающие на состязание юношей» (1860), «Семирамида закладывает город» (1861), «Александр и Буцефал» (1861—1862), «Дочь Иеффая» (1859—1860), «Эпизод средневековой войны» («Бедствия Орлеана»)
(1865)

Фактически Дега так никогда и не закончил ни одного из этих произведений, несмотря на многочисленные подготовительные рисунки и наброски маслом.

В 1861 году Дега знакомится с Эдуардом Мане, дружба с которым продолжалась до конца жизни последнего.

Критики часто сходятся в том, что, несмотря на нежелание Дега (в отличие от импрессионистов) работать на пленэре, принципиально их творчество в общем очень схоже, что, в свою очередь позволяет причислить Эдгара Дега к кругу импрессионистов. При этом сам Дега отвергал термин «импрессионизм», как и некоторые принципы творчества художников-новаторов, и к концу жизни дистанцировался от их общества.

По окончании войны Дега побывал в Великобритании, затем посетил США, где проживали его родственники по материнской линии. В 1871 году, когда война закончилась, художник совершил короткую поездку в Лондон, а зимой 1872—1873 года провёл несколько месяцев в Новом Орлеане

Между 1874 и 1886 годами состоялось восемь выставок импрессионистов, и Дега принял участие в семи из них, пропустив только предпоследнюю, в 1882 году.

Подробная биография
Дега, Эдгар


Описания этих 2 картин на сайте музея нет.

ИИ о них сообщает:
Это картина Пьера Боннара под названием «Цветы на красной скатерти» (или «Цветы на красном ковре»), написанная около 1928 года.
Натюрморт выполнен маслом на дереве и отличается яркой цветовой палитрой с преобладанием красных и желтых оттенков.


Эта картина называется «Вдохновение» (L'Inspiration), написанная французским художником Анри Мартеном в 1895 году.
Произведение выполнено маслом на холсте в стиле символизма и неоимпрессионизма (дивизионизма).На картине изображен поэт в красном одеянии, к которому в лесу являются аллегорические фигуры муз. Полотно имеет большие размеры (более 4 метров в высоту) и первоначально было приобретено французским государством в 1896 году

Известная картина



Эта картина называется «Девушка среди цветов» (Jeune fille dans les fleurs), написанная Эдуаром Мане в 1879 году.
Произведение искусства выполнено маслом на холсте.
В настоящее время картина находится в коллекции Музея изящных искусств в Лионе, Франция



С сайта музея

Marguerite Gauthier-Lathuille
Information sur l’artiste
Edouard Manet [Paris, 1832 - Paris, 1883]
Date de l’œuvre
1879

На этом портрете запечатлены черты дочери владельца ресторана «Пер Латуй», расположенного в парижском районе Батиньоль, где Эдуард Мане любил встречаться со своими друзьями. Одновременно художник изображает сцену, происходящую во внутреннем саду ресторана.У отца Латуйля(1879, Турне, Музей изящных искусств), которая является одним из свидетельств его вкуса к изображению современной жизни. Кафе действительно стало новым местом общения, где художники любили встречаться, особенно в этом недавно застроенном парижском районе вокруг вокзала Сен-Лазар.

Молодая женщина позже утверждала, что никогда не позировала Мане. По-видимому, художник делал простые эскизы без ее ведома, прежде чем приступить к работе над этим портретом в своей мастерской. Простота композиции, изображающей фигуру на нейтральном фоне, подчеркивает виртуозность художника в передаче оттенков белого в ее платье и шляпе, сшитых из муслина. Очень свободная манера письма выявляет видимые мазки, а также легкость прикосновения и экономию средств. Мане удается создать эффекты прозрачности, которые намекают на объем и текстуру. В выражении лица модели можно заметить определенную меланхолию, которая трактуется как признак современности в подходе к женскому портрету, благодаря отказу от кокетства и декоративности.


Этот снимок показывает портрет господина Рюэля, написанный художником Эдгаром Дега около 1862 года.
Автор: Эдгар Дега.
Название: Портрет господина Рюэля (Portrait de Monsieur Ruelle).
Стиль: Импрессионизм.
Особенности: Картина выполнена маслом на холсте и отличается характерной для автора работой со светом и тенью



Гюстав Моро – Целомудренная Сюзанна


Эта табличка описывает картину Гюстава Моро «Целомудренная Сусанна» (фр. La Chaste Suzanne), написанную около 1852–1853 годов.
Работа выполнена маслом по дереву и является ранним произведением художника, отражающим влияние романтизма.
Сюжет основан на библейской истории о ложном обвинении Сусанны двумя старцами.
Картина была передана в музей в рамках наследства Альфреда Байлеаш-Ламотта в 1923 году.

Продолжаю свой вынужденный бег по залу импрессионистов.

Очень заметное полотно





пример api загрузки изображений
Сар Пеладан

Информация о художнике
Александр Сеон [Шазель-сюр-Лион, 1855 – Париж, 1917]
Дата работы
1892

Уроженец Лиона, Жозефин Пеладан (1858–1918) прославился в конце XIX века своей яркой и пылкой личностью, мистическим католицизмом и склонностью к эзотерике. Он был автором романов, в том числе « Высший вице-президент» (Le Vice suprême), опубликованного в 1884 году, а также пьес и трактатов. Он утверждал, что является магом, и называл себя «Сар», заимствуя этот термин из древнеперсидского языка. В 1890 году он основал Орден Розенкрейцеров Тамплиера, отколовшуюся от традиционного розенкрейцерского общества группу, а его интерес к искусству привел его к организации выставок Розенкрейцеров в Париже, начиная с 1892 года. Именно на первом Салоне был представлен его портрет, написанный Александром Сеоном.


На картине он изображен в профиль, в строгой стилизации и с четкими линиями, в длинной пурпурной одежде пророка. Его внешность призвана быть смоделирована по образу древних восточных людей, и сам художник описывает ее как «халдейскую». Его борода подстрижена в ассирийском стиле, а прическа, как говорят, вдохновлена ​​изображениями Гудеи, месопотамского правителя, портреты которого он восхищался в Лувре. Пеладан особенно ценил этот образ, созданный близким ему художником. Он написал ему благодарственное письмо: «Вы изобразили Пророка непоколебимой идеальности в пурпурной одежде, противостоящего бурной эпохе, которая его оскорбляет; неукротимого и спокойного, потому что его слово — слово веры».

Следующих картин нет на сайте музея, но их легко находит гугл по изображению.




Картина называется «Вход на Гранд-Рю в Аржантёе, зима» (фр. Entrée de la Grande Rue à Argenteuil, l'hiver), написанная Клодом Моне в 1875 году.
На полотне изображен зимний пейзаж с заснеженной улицей, деревьями и фигурой человека, идущего по дороге.
Работа выполнена в стиле импрессионизма и отражает характерный для Моне интерес к передаче света, атмосферы и эффектов снега.
В настоящее время картина находится в коллекции Музея изящных искусств Лиона (Musée des Beaux-Arts de Lyon) во Франции





Эта картина называется «Прачка на берегу реки» (или «Мост в Лабастид-дю-Вер») и написана французским художником-постимпрессионистом Анри Мартеном.

На полотне маслом изображена женщина, стирающая одежду в реке под арочным каменным мостом, с характерными для Мартена атмосферными мазками.

Произведение отличается использованием техник, близких к импрессионизму и пуантилизму, для передачи света и отражений на воде.




Это картина «Семья Шоссон» (Ernest Chausson et sa famille), написанная французским художником Эженом Каррьером около 1895 года. Художник известен своим монохромным стилем, часто использующим коричневые и серые тона для создания туманной, интимной атмосферы. Произведение находится в собрании Музея изящных искусств Лиона.



Вот тут есть некоторые сомнения, но ИИ утверждает, что это
На изображении представлена картина «Автопортрет» Эжена Каррьера, известного своей техникой использования приглушенных тонов.

Художник: Эжен Каррьер (Eugène Carrière), французский живописец, живший с 1849 по 1906 год.
Стиль: Работа выполнена в характерной для автора мрачной, монохромной палитре, создающей атмосферу туманности.






Художник: Альбер Лебур
Стиль: Импрессионизм
Сюжет: Пейзаж с рекой и лодками

Дальше уже только общие виды










И последним снимаю вот это полотно.




Это картина французского художника Франсуа-Жозефа Эйма под названием «Поражение кимвров и тевтонов Марием», написанная в 1853 году.
Произведение изображает исторический момент, когда римский консул Гай Марий разгромил германские племена в битвах при Акс-ан-Провансе и Верчеллах в 102 и 101 годах до н.э..
Картина экспонируется в Музее изящных искусств Лиона во Франции.
Она отличается масштабным изображением хаоса битвы и драматизмом, напоминая по стилю работы эпохи романтизма

На сайте музея есть описания ряда прекрасных картин импрессионистов, которые я так и не увидела. Но их можно посмотреть и почитать о них по этой ссылке
https://www.mba-lyon.fr/fr/type-de-collection/peintures

А дальше уже быстро иду к лифту и спускаюсь на первый этаж. Во внутреннем дворе-курдонере забираю свою сумку из камеры хранения, иду аркадами на выход из музея и выхожу в числе последних посетителей на площадь перед Ратушей.